Публикации блоггера на сайте Думская.net - V.Harris http://dumskaya.net/ Блог V.Harris ru-ru http://blogs.law.harvard.edu/tech/rss Думская.net info@dumskaya.net info@dumskaya.net :{Невыученные уроки }: Невыученные уроки http://dumskaya.net/post/nevyuchennye-uroki/author/ На 70-м Берлинском международном кинофестивале состоялась

премьера фильма Вадима Перельмана «Уроки фарси».

История повествует о том, как 1942-м году бельгийский еврей Жиль

Кремье, попавши в концлагерь, выдает себя за перса. Чтобы выжить, он

должен придумать несуществующий язык.

Перельман – киевлянин, в юности эмигрировавший из Украины. Заявил о

себе в 2003 году, когда его фильм «Дом из песка и тумана» получил три

номинации на «Оскар».

Сценарий к фильму «Уроки фарси» написал Илья Цофин. Сценарист с русскими

корнями, ныне проживающий в Берлине. Историю, что стала основой

сценария, он прочитал в советском журнале. Оригинальный

рассказ «Изобретение языка» был написан в 1952-м году жителем

Германской Демократической Республики, кинематографистом

Вольфгангом Кольхаазе.

Замысел фильма «Уроки фарси» появился еще в 2013 году. Именно тогда

Тимур Бекмамбетов, первый продюсер, поделился идеей с Перельманом.

Сценарий фильма несколько раз переписывался. Вадиму было важно

максимально вдохнуть жизнь в персонажей, показать нацистов обыкновенными

людьми, подняв трагедийность случившегося на новый уровень. Это, принимая

во внимание десятиминутные овации после окончания фильма, у него

получилось.

В начале картины режиссер дает нам кредит – первым кадром нас

знакомят с главным героем, медленно идущим по шпалам, что прорезают

густой лес. Кадр поэтичный и абсолютно симметричный, что

позволяет сделать акцент на маленьком, казалось бы, незначимом

человеке – но в этом и есть фокус. Режиссер говорит о том, что

«маленькие люди» совершают большие поступки, но это мы увидим через

115 минут, в последних сценах фильма.

Следующий кадр – это горящие записи. Красивая картинка, на которую

можно смотреть долго, но мысль, заложенная в ней, весьма проста –

«рукописи не горят», как сказал один из героев Булгакова в «Мастере и

Маргарите». До Михаила Афанасьевича эту же мысль  -  только в ХV веке,

высказал раввин Толедо. 

Когда инквизиция

сжигала его рукописи, он улыбнулся, а потом произнес: «Рукописи не

горят — горит бумага, а слова возвращаются к Богу…». До раввина люди

знали ту же мысль как латинскую пословицу — «Слова улетают,

написанное остается».

Мой любимый вариант этой идеи описан Рэем Брэдбери в романе «451

градус по Фаренгейту». Персонажи романа, видя, как власть уничтожает

наследие, сжигает книги, стали заучивать произведения, превращая в

книги себя. Тысячи единомышленников делали свое дело и ждали, когда их

драгоценные знания снова понадобятся обществу.

Так и герой фильма Перельмана. Помимо цели выжить, он находит цель

куда важнее этого – сохранить память о тысячах людей. Закодировав их

      имена в словах придуманного им языка. 

Для достоверности

Перельман вместе с лингвистами проделал работу, достойную Толкина в

книге «Властелин колец» — создал словарь «персидского языка», вмещающий

около 600 слов со всеми падежами и склонениями.

Если присмотреться картине, то легко заметить, что структура фильма

близка к голливудскому идеалу. Короткое знакомство с героем переходит

в подталкивающее проиcшествие, которое разворачивает историю. 

Жиль меняет бутерброд на старую

персидскую книгу – как результат, мы знакомимся с ценностями героя, а

история начинает набирать обороты.

Уже в следующей сцене Жиль, видя расстрел тех, кто еще минуту назад

сидел с ним в кузове грузовика, принимает поворотное решение – 

называет себя персом — запуская механизм, на котором построен фильм, в действие.

Четкая структура не дает зрителю заскучать, и в то же время заданная тема

раскрывается в полной мере.

Говоря о кино как о визуальном искусстве, стоит обратить внимание

на работу оператора. Начиная с первой сцены, кадр стремится к

«кубриковской» симметрии.

Работая с крупными планами, оператор играет с направляющими

линиями, чем акцентирует внимание на эмоциях героев.

Говоря о тоне картины, нельзя не сказать о цветокоррекции и

музыкальном сопровождении.

Коричнево-песочные тона, доминирующие в фильме, психологически

настраивают нас на низкие частоты восприятия построенного режиссером

мира. Мы видим его грязным с помощью цвета, что позволяет

окунуться в заданную атмосферу с первых минут.

Музыка, как продолжение чувств героев, ранит душу. Если

прислушаться к мелодии, что играет в последних кадрах «Уроки 

фарси», и приглядеться к действиям персонажей, можно заметить, что

фортепиано вступает после второго имени, названного Жилем, а герои на

заднем плане по очереди начинают оборачиваться, усиливая драматичный

момент.

Интересно, что музыка из «Дома из песка и тумана» и музыка,

которую мы слышим в самом конце «Уроки фарси», одна и та же мелодия. 

Правильно подобранные актерские типажи, абсолютно оправданы искренней игрой.

Интересный факт — исполнитель главной роли, аргентинец, 

Науэль Перес Бискаярт учил немецкий язык по ходу работы над ролью, и, как отмечают носители языка,

справился исключительно хорошо. 

Ларс Айдингер, исполняющий роль

Клауса Коха, построил живой образ нациста. Человек, мечтающий

открыть ресторан в Тегеране, идет улицей и вдруг видит курящих мужчин в нацистской форме.

Как говорит Клаус в фильме: «Они мне понравились, и я захотел быть таким же». 

В этом показан ужас и трагедия

прошлого. Не обязательно ненавидеть, достаточно не

понимать. 

Безусловно, фильм стоит вашего внимания. Тема, поднятая Перельманом,

конечно же, не новая, но угол, под которым режиссер на нее смотрит,

острый и еще не затертый. 

 

]]>
Thu, 09 Sep 10 13:05:55 +0300 http://dumskaya.net/post/nevyuchennye-uroki/author/
:{Оборванная молитва Наримана Алиева }: Оборванная молитва Наримана Алиева http://dumskaya.net/post/oborvannaya-molitva-narimana-alieva/author/ Фильм «Домой» это история о том, как страдания разрушают духовность, возвращая человечество в пещеры.

Чтобы передать боль, не обязательно ее причинять. Полнометражная дебютная лента Наримана Алиева разговаривает с аудиторией символами и подтекстами.
 
В девяносто семь минут экранного времени поместилась история, в которой позыв внутренней нравственной ориентации мощнее и интереснее внешних столкновений героев.
 
Исходя из философско-психологических исследований можно констатировать, что все человеческое неразделимо с моралью, которая формируется под воздействием истории, конкретизируясь системой ценностей каждого из нас. Словно гены, духовно-практические приоритеты бытия передаются от родителей к детям, становясь основой, на которой мы потом строим всю жизнь. Герои картины «Домой» не стали исключением.

Фильм освещает жизнь крымских татар после аннексии Крыма. Их вынужденный побег с родной земли, как и вынужденное приспособление к новой жизни, зарождают сопротивление окружающему миру. Оно возникает от  психологического одиночества, которое поневоле чувствуют герои, а позже усиливается непониманием их моральных и этническо-культурных устоев окружающими согражданами.
  
Мустафа, герой фильма Наримана, представлен зрителю как искалеченная личность. Война, пришедшая в Украину, забрала жизнь его первенца Назима и отдалила второго ребенка, Алима. Затем обстоятельства пытаются вынудить Мустафу отказаться от духовно-моральных принципов: похоронить сына за пределами родной земли, аннигилировав семейные и религиозные традиции. Собственно, это и становится главным внутренним и внешним конфликтом картины.
 
Тема, поднятая в этой работе, не только актуальная, но и оригинальная.
Зрителю предоставляется возможность взглянуть на жизни людей, у которых война отобрала семьи, покой и родную землю. Оценить ее разрушающее влияние на нравственность и гуманизм человека, зажатого в этих страшных обстоятельствах.   
 
Проводником идеи, заложенной в фильме, стал не сценарий, который написал Нариман, а точная актерская игра. Участие в фильме Ахтема Сеитаблаева в качестве главного героя прибавило картине художественной ценности и здорового драматизма. Но в то же время заострение проблематики фильма за счет бьющего на эффект видеоряда вместо того, чтобы вызвать скупую слезу – вызывает зевоту.

Первый кадр некоего мистического ландшафта с одиноким деревом, безусловно, создает ностальгическую атмосферу, но скучный и местами затянутый монтаж отвлекает от предлагаемой истории.

Причем эффектом «пресного кино» страдают только первые двадцать минут картины, дальше темпо-ритмический рисунок налаживается. Вероятно, симпатичная актерская игра и динамичное развитие сюжета затягивают внутрь истории, давая возможность дышать в рамках картины.

Если верить в то, что в искусстве головой всему идея, то фильм Наримана Алиева крепко держится на ногах. Картина вынуждает аудиторию думать, анализировать и, вне всякого сомнения, стоит вашего внимания.

 
 

]]>
Wed, 11 Aug 10 18:14:03 +0300 http://dumskaya.net/post/oborvannaya-molitva-narimana-alieva/author/
:{"Зеленая книга". Победителей не судят. }: "Зеленая книга". Победителей не судят. http://dumskaya.net/post/91-ya-tceremoniya-vrucheniya-kinopremii-oska/author/ Не прошло и 13 лет, как фильм с худшими отзывами кинокритиков получил главный приз Американской академии кинематоргафических исскуств и наук (Academy Awards).

В 2006 году победа фильма «Столкновение», который оттеснил «Горбатую гору» для многих стала первым разочарованием.

91-я церемония награждения — вторым, но не менее неожиданным, ведь несмотря на критику и сильных соперников, картина режиссера Питера Фаррелли «Зеленая книга » все-таки получила «Оскар».
Фильм стал победителем в номинации «Лучший фильм года», обойдя нашумевшую картину «Рома», фильмы «Богемская рапсодия», «Фаворитка», «Черная Пантера», «Рождение звезды», «Черный Клановец» и «Власть».

С Питером Фаррелли многие познакомились благодаря довольно неоднозначной картине «Тупой и еще тупее». Не менее спорной по оценке зрителей стала и «Зеленая книга».
Действие картины разворачивается в Америке 60-х годов, которая продолжает борьбу за расовое равноправие. В то время открытое пренебрежение к темнокожим трансформировалось в скрытый расизм, лучше упакованный, но по-прежнему ранящий ментально и физически.
«Зеленая книга» создавалась на основе реальной истории отношений между бывшим вышибалой Тони Валлелонгой и пианистом Доном Ширли, роли которых сыграли Вигго Мортенсен и Махершала Али. После того как клуб, в котором работал Тони, на время закрыли, он ищет хоть какую-то работу, чтобы прокормить семью. Тут судьба и сводит его с Доном Ширли — талантливым пианистом, которому нужен водитель на время турне по Америке.
Тони Валлелонга — итальянец по происхождению, практикующий скрытый расизм, Дон Ширли — афроамериканец, пытающийся с ним бороться. Актуальность заложенного в книгу конфликта, и сегодня не теряет мирового масштаба – неприятие расового разнообразия.

«Зеленая книга» это фильм о смирении и умении сохранять достоинство. Собственно расизм, на фоне которого разворачиваются события фильма, это реакция человека на нечто, с чем он не готов мириться, зачастую реакция негативная, бесчеловечная.
Картина начинается сценой в ночном клубе «Copacabana», где Тони по прозвищу «Болтун» завязывает связи с высшим обществом весьма сомнительным путем. Режиссер обрисовывает образ одного из главных героев, позволяя аудитории отыскать параллели, связывающие реальность, в которой пребывает зритель, с хитросплетениями истории. Не менее значима для обозначения остроты сложившийся ситуации следующая сцена — приход темнокожих рабочих в дом Тони Валлелонги. Его  жена угощает гостей лимонадом в знак благодарности, Тони же после их ухода выбрасывает стаканы, из которых пили ребята, в мусор, подчеркивая свое брезгливое отношение к афроамериканцам – скрытый расизм, который, к сожалению, мы встречаем и сегодня в нашей стране по отношению к людям другой национальности.
Это только первая, самая простая, но от того не менее гуманистическая идея, заложенная в основу фильма. Национализм — животный инстинкт, ему не место в современном мире. Как сказал президент Франции Макрон: «Национализм это враг патриотизма». Человек должен оставаться морально и духовно справедлив вне зависимости от цвета кожи или национальности своего оппонента.
Питер Фаррелли назвал фильм «Зеленая книга» в созвучии с издаваемым в то время справочником-путеводителем, содержащим информацию о местах (отелях, ресторанах), куда афроамериканец мог пойти, не боясь натолкнуться на агрессию со стороны белого населения.
Второй герой картины Дон Ширли, известный пианист, смиренно соблюдает рекомендации этой книги. Сначала это кажется вполне естественным, но потом начинаешь осознавать всю унизительность ситуации.
Надо сказать, что режиссер особенно внимателен к деталям, которыми наполнена картина. Сцена большого концерта в пафосном доме богачей, где все восхищаются мастерством Ширли, заканчивается колючим эпизодом. По-прежнему улыбаясь музыканту, хозяева не разрешают ему пользоваться туалетом в доме. Несмотря на стрессовость ситуации, как моральную, так и физиологическую, музыкант не вступает в конфликт. Он с достоинством берет паузу и едет в отель, а потом возвращается, как ни в чем не бывало. Много ли терпения надо для такого поступка? Точно не мало.
Тони Валлелонга, наблюдая за Ширли, проникается к нему состраданием, отбрасывая свои предрассудки, и, более того, начинает многому учиться у него.
Так рождается настоящая дружба, пропитанная взаимным уважением. Ширли воспринимает Тони-Болтуна таким, какой он есть – необразованным, грубоватым, а тот в свою очередь принимает Дона, понимая его мотивы, восхищаясь терпением и достоинством, которые герой демонстрирует каждый день.
Фраза, которую скажет Дон Ширли, вместе с Тони несправедливо задержанный полицейскими, становится фундаментом картины: «Тебе не победить насилием. Победить можно, только сохраняя достоинство. Достоинство побеждает всегда».
Визуальная часть фильма завораживает. Выбранные ракурсы вместе с отличной игрой актеров создают впечатление отсутствия экрана, отделяющего мир фильма от реальности. Темпераменты героев своим отличием друг от друга создают гармонию в кадре.
Сценарий картины основан на реальной истории, но куда интереснее тот факт, что именно сын Тони-Болтуна, Ник Валлелонга, принимал участие в создании сценария. Что касается участия в фильме Вигго Мортенсена, то ему, чтобы угодить Нику, пришлось добавить к своему весу более двадцати килограмм, ну и конечно же, воссоздать итальянский акцент, что у него получилось достаточно хорошо.
Исполнитель роли Ширли Махершала Али блестяще поработал над мимикой и жестикуляцией персонажа, сделав образ аристократично манерным, что в свою очередь подчеркнуло постоянную внутреннюю напряженность героя.
Сценарий фильма, несмотря на остроту ситуации, легкий, наполненный шутками и слегка романтичный. Некоторые расхождения с реальной историей только усиливают картину, делая ее привлекательней для зрителя. Но тема расизма здесь совсем не главная, режиссер говорит о важности сохранять достоинство в любой жизненной ситуации.
Герои фильма заявляют, что важнее всего понять и узнать себя, тогда и все остальное станет яснее.
Также режиссер поднимает тему одиночества, из которого, собственно, и вытекает неуверенность в том, кто ты и какое место в этом мире достойно тебя.
«Одинокие люди всегда ждут, что кто-то сделает первый шаг», — говорит герой картины. Одиночество заставляет человека бояться самого себя и правильности своих решений. Человек в современном медийном мире более одинок, чем когда-либо — люди тонут в глубинах соцсетей и телевидения, теряя живое общение.
Сцена, в которой Дон рассказывает про пианистов, которые не могут играть без стакана виски, усиливает звучащую в картине тему одиночества и неверия в себя. «Они жалеют себя», — поясняет Ширли. Режиссер же хочет донести до аудитории, что не надо прятаться, надо решиться на первый шаг и пройти его с достоинством, несмотря на первую реакцию окружающих, на сиюминутный результат. Как говорят герои фильма: «Гения недостаточно, нужна храбрость, чтобы изменить мышление людей».
У Питера Фаррелли было достаточно и того и другого, именно поэтому картина трогает не только сердце, но и ум, заставляя задуматься над своими действиями и словами.
«Зеленая книга» это глубокий фильм, поднимающий со дна потертые старые монеты, ценность которых только увеличивается со временем, как и ценность идей гуманизма.

]]>
Tue, 08 Jun 10 12:14:13 +0300 http://dumskaya.net/post/91-ya-tceremoniya-vrucheniya-kinopremii-oska/author/
:{Мурочка, еще капельку. Фильм Н.Шямалана "Стекло". }: Мурочка, еще капельку. Фильм Н.Шямалана "Стекло". http://dumskaya.net/post/murochka-eshche-kapelku/author/ Многие помнят старый анекдот:

Жена захотела отучить мужа от пьянства. И то пробовала, и это — ничего не помогало. Обратилась к знакомым, те посоветовали купить водки, налить ее в ведро и  бросить туда дохлую кошку, чтобы у него осталось отвращение к спиртному на всю жизнь. Так и сделала. Приходит с работы и видит — муж стоит над пустым ведром, и выжимая кошку говорит: «Мурочка, еще капельку! ».

Не прошло и девятнадцати лет, как герои первого фильма «Неуязвимый» и «Сплит» встретились в картине «Стекло», чтобы продолжить свою историю.

В их жизнях, как и в карьере их создателя, Найта Шьямалана, органично переплелись победы и поражения. Как ни странно, фильмография режиссера состоит как из картин, ставших культовыми, так и откровенно плохих. Очевидно, что и конфликт, заложенный в сюжет фильма «Стекло», весьма ожидаем, исходя из финала предыдущий части.

Картина раскрывает историю жизней Элайджи Прайса, Дэвида Данна и Кевина Крамбла спустя какое-то время после происшествий, описанных в «Сплите». Все трое уверены в своей сверхчеловеческой силе, вследствие чего попадают в психиатрическую больницу, где обаятельная доктор Элли Стейпл развенчивает их убеждения.

Атмосфера картины  отличаетсяот атмосферы, созданной в первых фильмах, отсутствием саспенса и психологического напряжения, которые щекотали нервы в предыдущих. Это же касается и жанра. Если раньше он определялся как  психологический триллер с элементами супергеройского фэнтези, то в «Стекле» режиссер откинул психологию и сосредоточился на жанре супергеройское фэнтези, что сделало картину более исскуственной, и сузило аудиторию.

 Вероятно, нехватка опыта режиссера в работе над фильмами о супергероях, несмотря на осознанно выбранный жанр, все-таки вылилась в искушение добавить в картину привкус психологического триллера, что в данном случае негативно повлияло на темпоритм. Присущая супергеройскому кино динамичность монтажа и съемки отсутствовала в первой половине «Стекла», тем самым истощая зрителя чрезмерной затянутостью, что благодаря предсказуемости сюжета и очевидности последующих поворотов истории, создавало впечатление однообразия.

Но с приближением конца картины, за счет интересных наполненных действием эпизодов, динамика возрастает, возвращая к жизни зевающего зрителя.Картина не поражает неординарными стилистическими решениями или утонченным визуальным видеорядом. Тем не менее, моментами правильный ракурс и хорошо подобранные декорации притягательны своей простотой. Местами детали, появляющиеся в кадре, тщательно продуманы, но речь идет далеко не обо всем фильме, и назвать его впечатляющим в плане стиля невозможно.

Помимо затертых эпизодов под дождем, эпичности заброшенных заводов и аскетичного минимализма больничных стен, зрителю нечем порадовать глаз, кроме как довольно сильным, хотя и «изношенным», актерским составом.Несмотря на вышесказанное, актерская игра привлекает, моментами заставляя поверить в происходящее и даже сопереживать. Брюс Уиллис (Дэвид Данн), Джеймс Макэвой (Кевин Крамб) и Семюэл Л.Джексон (Элайджа Прайс) – вместе смотрелись в кадре довольно органично.

Безусловно, стоит отметить интересное исполнение Макэвоем роли Кевина. Изображая сложного героя, страдающего множественным расстройством личности, актер поработал не только над мимикой и пластическим рисунком каждой из них, но и над психологическим наполнением, что проявилось в интонациях и тонкой работе с голосом.

Работу актеров назвать тонкой и довольно качественной можно, чего нельзя сказать про работу режиссера. Скорее всего, злую шутку с Шьямаланом сыграл сценарий. История, заложенная в основу фильма, слишком куцая для полнометражной картины с продолжительностью в 126 минут – отсюда и возникает «Мурочка, еще капельку», когда режиссер растягивает пятиминутную сцену, делая из нее десятиминутное обсасывание уже вываренных костей.Тем не менее, обходить стороной эту картину не стоит. Несмотря на свои минусы, она все же подытоживает трилогию, и иллюстрирует обоснованное завершение довольно необычной, завязавшейся в 2000-м году, истории.

]]>
Fri, 04 Jun 10 18:57:17 +0300 http://dumskaya.net/post/murochka-eshche-kapelku/author/
:{Легкий жанр или подъём яйценоскости}: Легкий жанр или подъём яйценоскости http://dumskaya.net/post/legkiy-zhanr-ili-podem-yaytcenoskosti/author/ Легкомыслие! – милый грех,

Милый спутник и враг мой милый!

Ты в глаза мне вбрызнул смех,

И мазурку мне вбрызнул в жилы.

М.Цветаева

Комедия — легкий жанр, тяжело дающийся его создателям. В советское время, чтобы попасть на экран, нужно было рассмешить несколько комиссий. Сегодня достаточно рассмешить продюсера, чтобы он вложил деньги в производство фильма, но это проблема не менее сложная.

Любовный треугольник знаком многим, а вот любовный квадрат не столь изучен. Фильм «Я, Ты, Он, Она» повествует именно о такой геометрической фигуре. Ка ждая из ее сторон практически довольна своим положением. Единственный «волос», торчащий из совместно сваренного супа, который все же портит аппетит во время любовного застолья – это несостоявшийся развод. Расторжения брака жаждет каждый. Но путь к освобождению от «уз Гименея» длинен и извилист, что дает возможность сценаристам обречь героев, которых играют Евгений Кошевой, Надежда Дорофеева, Анастасия Короткая и Владимир Зеленский, на интересные приключения, занятные испытания и волнующие похождения.

Главный комик страны (Владимир Зеленский) претендует на многое… Как минимум на хорошего исполнителя главной роли, и как максимум — на звание талантливого режиссера не только фильма, но и всей Украины. Утвердят ли его на главную роль в стране, будут решать уже не зрители, а избиратели. Но мы сегодня говорим только о кино.

Фильм «Я, Ты, Он, Она» стал для Зеленского полигоном, на котором он испытывал свой режиссерский талант. Но не один, а с помощником, вторым режиссером картины Дэвидом Додсоном (режиссером комедий «Любовь в большом городе», «8 первых свиданий»).

Картина вполне оправдывает заявленный жанр романтической комедии. Она  довольно привлекательная — непринужденная игра исполнителей ролей (но все же нехватка актерского профессионализма чувствуется), знакомых нам по проекту «Квартал 95», динамичный монтаж, хорошая операторская работа, да и сценарий, хоть и простоват, но хорошо проработан в деталях. Все это не дает зрителю скучать – хохот прерывается только дружным жеванием попкорна.

Жаль только, задуматься особо не над чем. Правда, некие попытки были: сатирический репортаж про намерение ограбить суд, намеки на то, что пора бы жить по-европейски — не мусорить, знакомиться с культурным наследием страны, прекратить заниматься коррупцией и искать счастье в малом. Но они больше напоминали детские прыжки бомбочкой в сельский ставок, нежели с 10-метровой вышки мастера спорта.

Без сомнения были и удачные моменты: эпизоды с потерей 20-гривневой купюры, цветами, возложенными к могиле писателя, яркими велогонками во Львове, посиделками и танцами в «Криї вке» без пяти минут поэтичны. Они изображают достойные стороны нашего народа. Всматриваясь в эти кадры, так и хочется присоединиться и выпить кружку пива или потанцевать под дождем вместе с героями фильма.

Но так же хочется задуматься о чем-то, поймать идею картины, а вот с этим уже не ладится. Фильм сконструирован по голливудской модели – динамично, ярко, легко, но, к сожалению, что-то более глубокое выпало из этого пазла и осталось вне игры. Картина вызывает смех в зале, но шутки все чаще бытовые, примитивные, а хотелось бы юмора интеллектуального.

Тут и вспоминается КВН, но тот, далекий, где со сцены блистали «Одесские трубочисты» и «Одесские Джентльмены». Участники тех КВНов были веселыми, а нынешние зачастую только смешные. Чего стоили выступления Валерия Хаита, Олега Филимонова, Янислава Левинзона. Их шутки имели второе дно, были скорее сатирой, беспощадно вскрывающей горькую правду, и попадали в сердце, а не в живот или того хуже – ниже. «…Хорошо, что в холодильнике есть яйца! – Хоть у кого-то в этом доме они есть! »

Но как бы то ни было, а в целом фильм получился. Порадовалась за родной кинематограф – мы научились ходить, и даже пробуем бегать вместе с американскими киношниками, пусть пока и за руку.К слову, музыка в фильме тоже отечественная и, надо отдать должное группе «Антитела», славная.

Хорошим оказался и дубляж — украинский. Изначально картина снята на русском, что, безусловно, положительное решение, исходя из аудитории фильма, большей частью которой являются русскоязычные люди. Так что и здесь Владимир Зеленский как продюсер поступил верно — ведь те,  кто захочет увидеть картину на русском, того и гляди, смогут это сделать в интернете.

Тем, кто резко критикует создателей картины за такое решение, скажу, что выпуск фильма это  бизнес, а лучший бизнес это экспорт, в том числе и на постсоветское пространство. Пусть они смотрят наше, а не только мы их.  Наши яйца не хуже импортных.И потраченные на фильм 36, 9 млн гривен не плохо бы вернуть, а еще лучше — приумножить…

«Студия Квартал-95», в общем-то, справилась с работой. Владимир Зеленский показал, что не только народ смешить, но и кино снимать умеет, в очередной раз подтвердив известную фразу «можемо, якщо хочемо».
Если хочется на время забыть о проблемах и потренировать мышцы живота и лица, пойти на фильм стоит. Прилив позитивных эмоций еще никому не помешал.

 

 

]]>
Thu, 01 Jan 70 03:00:00 +0300 http://dumskaya.net/post/legkiy-zhanr-ili-podem-yaytcenoskosti/author/
:{Ад, который построил Джек }: Ад, который построил Джек http://dumskaya.net/post/ad-kotoryy-postroil-dzhek/author/ Датский режиссер Ларс фон Триер вновь огорошивает публику своим творением. Несомненно, эпатажа от него ждали, но вот того, что он показал — нет.

Во время просмотра фильма «Дом, который построил Джек» зрители, возмущаясь увиденным- недосмотренным, стихийно покидали свеженасиженные места, таким образом делая это «блюдо» еще привлекательнее для  анализа.

Картина обрисовывает двенадцать лет из жизни Джека (его  сыграл Мэтт Диллон). По настоянию родителей он инженер, по велению сердца — архитектор. У главного героя есть мечта – построить собственный дом, и увлечение – умерщвлять людей. Лишать жизни — для Джека не мания, а осознанный акт, приносящий эстетическое удовольствие.

В сущности, ничего доселе невиданного Триер не рассказывает. Обилие крови, убийства и жестокость демонстрировались кинематографом не единожды. Так для чего именитый режиссер в очередной раз запечатлел это? Казалось бы, его философия так обмелела, что свелась к постному освещению темы бытия серийного убийцы. Но это не так.

Затрещина, которой Ларс фон Триер угостил зрителя, так же мощна, как  психологические атаки, причиняемые сиренами пикирующего бомбардировщика, о котором рассуждает главный герой. Триллер «Дом, который построил Джек» явным образом раскрывает тему безразличия людей друг к другу. Тем самым режиссер еще раз поднимает проблематику человеческого эгоизма, лейтмотив которого читается во всех его предыдущих картинах.

Эгоизм не был бы так уж и плох, если бы не подталкивал человека к мысли, что он чем-то лучше других, тем самым порождая гордыню, которая часто ведет к распаду духовности. Рассматривая фильм сквозь призму вложенных в него символов, следует сказать, что все 155 минут, которые длиться картина, это «Near death experience » (NDE  – предсмертные воспоминания жизни) героя, то есть жизнь, проносящаяся перед глазами умирающего.

Для верующих NDE  – это подтверждение существования загробного мира и ответственности за прожитую жизнь. Для медиков — очередное явление, которое следует растолковать. Триер же, иллюстрируя бытие маньяка с помощью NDE, пытается пролить свет на тему ответственности и расплаты за содеянное, которая происходит вне зависимости от конфессии или безверия.

Многие из нас думают, что достойны чего-то большего,  чем то,  что имеют. Джек — инженер, который жаждет быть архитектором. Подсказка, данная Триером довольно груба, но от этого не менее красноречива. Инженер строит дом по предложенному ему проекту, архитектор лично создает план постройки. Следуя этому, все мы в той или иной мере инженеры своей жизни, а вот архитектор — один. Джек бросает архитектору вызов, вырывая у него из рук карандаш.

Триер, будучи не только режиссером картины, но и сценаристом (как, впрочем, и в других своих фильмах), предоставляет Джеку возможность чертить проект, как в буквальном, так и в фигуральном смыслах. Тем самым указывая зрителю на свободу выбора, которой владеет человек, и одновременно подчеркивая, что в построенном по собственному усмотрению доме придётся существовать. 

Это умозаключение касается не только Джека, но и его жертв. Ведь каждая из них самостоятельно делала ряд поступков, которые приводили ее к фатальному исходу. Первая жертва (в исполнении Умы Турман) пострадала из-за излишней настойчивости и желания подчинить себе волю другого человека. Следующую (Шивон Фэллон) погубила алчность.Все герои делают свой выбор, за что и расплачиваются.Но куда страшнее выбора, подталкивающего к катастрофе, безразличие к участи ближнего. Об этом Триер не намекает, а кричит устами героев: «В этом городе, в мире никто не хочет помогать».

Безразличие к проблемам других создает ошибочное впечатление безнаказанности деяний. Говоря кадрами из фильма, Триер опровергает такую теорию. Джек всю жизнь ищет подходящий материал для постройки дома. В конечном счете, его поиски напоминают шутку про танцора. Однако к концу фильма Триер дает возможность посмотреть на жизнь Джека с противоположного ракурса. Режиссер выстраивает в четкую линию до сих пор незначимые детали картины, дает зрителю возможность осознать, что последние 12 лет Джек неосознанно шел к своей «архитекторской» цели – накапливал материал для постройки «дома».

Заслуживает внимания и холодильная  камера, случайно приобретенная Джеком. Символизм этого на первый взгляд ненужного помещения по ходу фильма обрастает вторым смыслом. Рефрижератор набит пиццей, которая Джеку не нужна – ни как еда, ни как товар для продажи. Триер указывает на нежелание человека ценить и использовать по назначению данное ему свыше.Там же находится и загадочная дверь, намертво закрытая до определенного момента. Камера это прообраз жизни героя, а дверь – того, что начинается после ее окончания.

Не зря Джек находит неординарное применение холодильной камере — там он хранит «материал» для «постройки».Факт невозможности открыть дверь, которая находиться внутри камеры, до момента гибели героя говорит о том, что предположения по поводу загробной жизни или ее отсутствия остаются всего лишь предположениями до того, как человек переступит порог смерти. Открытие этой двери ближе к  концу картины и то, что именно за ней Джек строит свой дом — вполне предсказуемо, как и то, что за дверью обнаруживается проход в чистилище. Архетипом дома является прожитая жизнь. Материал с которого его строили — это поступки и мотивы, которые руководили человеком.

«Дом» Джека сооружен из крови, изувеченной плоти и причинённых страданий. Жить в таком доме значит существовать, искупая вину.Но того, что Джек попадает в ад, Триеру мало, ведь это естественный конец. Он показывает всю бестолковость человеческой натуры. Ведь даже в аду главный герой делает то, что ему кажется правильным. Слова Верга «Я бы не советовал, но выбор за тобой» не останавливают самоуверенного Джека: «Я рискну».Таким образом, режиссер иллюстрирует принципы жизнедеятельности современного общества, часть которого не желает терпеть, смиряться или отказываться от чего-либо.

Желание идти против чьей-то воли приводит Джека к падению на самое дно ада, именно туда Данте помещал грешников, которые обманывали доверившихся им людей. В девятом круге ада покоятся вможенные в лед отступники, что терзаются в трех пастях Люцифера: Иуда Искариот, Брут, Кассий — все те, кто предал божественное или человеческое.

Ради оправдания своих поступков Джек выдвигает теорию, в которой говорится о том, что человеческая жизнь состоит из наслаждения и боли, между которыми мечутся дети Адама. Теряя ощущения счастья, человек отдается страданию, которое пробуждает в нем зверя, что стремится к кровопролитию и насилию. Процесс закольцовыван — под воздействием боли индивидуум причиняет боль другому, и,  подпитываясь ею, получает удовольствие. Триер почти иллюстрирует фразу «Ничего, что хата сгорела, зато у соседа корова сдохла».

Режиссер толкует о том, что выбор, данный человеку, подпитанный гордыней вместе с чувством собственного всесилия и безнаказанности – это самое тяжелое испытание. Ведь эгоизм делает этот выбор однобоким, сокрушая в индивидууме божественную искру добра, что приводит к духовному и моральному распаду. О процессах распада Джек говорит как о вещах закономерных, природных, вызванных различными физическими и химическими воздействиями.

Следовательно, распад человеческой морали и духовности это тоже природный процесс, который является следствием грехопадения и эгоизма. Казалось бы естественное ощущение себя как высшей формы всего сущего на земле, делает человека неосознанно жестоким к животным и природному окружению. Пример такой жестокости — охота. Убивая тигра, косулю или ворону многие из нас получают удовольствие, но в то же время убивать людей – аморально, хотя и то и другое это отъём чужих жизней.

Не зря после просмотра фильма день-другой тебя не покидает «запах» вылитых на голову «помоев». Хорошо это или плохо – решать не мне. Но приемы влияния на зрителя, оттачиваемые на протяжении более сорока лет работыв кино, не подвели режиссера и на этот раз.

Фильм «Дом, который построил Джек» заставляет задуматься над актуальными в наше время проблемами безразличия и эгоизма, увидеть их проявления без замыливания.Картина отображает аморальность человека таким образом, что постигнутое заставляет не только стыдиться духовных изъянов, но вызывает желание немедленно избавиться от них. Ларс фон Триер обличает омерзительную глубину человеческой черноты с единой целью – привлечь внимание к проблеме, чтобы искать пути ее решения. Он заявляет: чтобы стать Человеком нужно работать над собой, над гнусными проявлениями гордыни и хладнодушия.

Бороться со своей «темной стороной» надо, но куда проще делать это не окунаясь в аморальность лично, а  учась на примерах. И если вам интересны подробности устройства преисподней дабы «вдохновиться» – займитесь изучением полотна Сандро Ботичелли «Карта ада», ну, а если интересует не результат, а путь, к нему ведущий, тогда психологический триллер «Дом, который построил Джек» для вас.

 

 

 

 

 

]]>
Tue, 01 Jun 10 15:35:53 +0300 http://dumskaya.net/post/ad-kotoryy-postroil-dzhek/author/
:{Танцы на Эшафоте или Пляска на Плахе}: Танцы на Эшафоте или Пляска на Плахе http://dumskaya.net/post/suspiriya-luki-guadanino-tantcy-na-esha/author/ Фильм «Суспирия» Луки Гуаданьино вышел на широкие экраны. Но вот незадача, зритель, чей возраст в основном не превышает тридцати, не воспринимает картину.Помимо чавканья попкорном и посербывания колой, в зале время от времени слышен истерический смех. Неужели Гуаданьино перепутал жанры и вместо указанного мистического триллера снял комедию?К счастью, нет. Режиссер выполнил свою работу, как и планировал, выдержав стиль и жанр картины. Плюс ко всему наполнил ее философским подтекстом. Да только многие зрители не понимают, что им показывают. Сюжет и тот остается не до конца ясным. Поэтому и звучат глупые комментарии и неуместные хихиканья.

Лука Гуаданьино отнюдь не режиссер массового развлекательного кино. Вот в этом и кроется главная нестыковка потребителя с продуктом. Зритель привык к незамысловатым сюжетам и ярким картинкам, когда думать не надо, так как режиссер все измельчил блендером, и вот уже сует эту сладкую массу тебе в рот. Остается только открыть его и проглотить, или другими словами купить билет и смотреть, не думая.

А вот такие картины, как работа Гуаданьино, для многих словно сложная математическая задача, незнание решения которой приводит к отторжению. Возвращаясь к фильму «Суспирия» стоит сказать, что картина — ремейк фильма 1977 года режиссера Дарио Ардженто. Но, кроме участия в обоих работах Джессики Харпер (в первом фильме играла Сюзи), общего между ними мало.

Также в «Суспирии» 2018 года сыграли: Тильда Суинтон, известная всем после серии фильма «50 оттенков серого» Дакота Джонсон, и Хлоя Грейс Морец. Сценарий к фильму писал Дейв Кайганич, он же сотрудничал с Гуаданьино как сценарист в картине «Большой всплеск».

Бюджет «Суспирии» составил 20 миллионов долларов США. Это  совместное производство Америки и Италии. Действие фильма происходит в Огайо, а затем в Берлине, в послевоенные годы. По сюжету девушка из Америки Сюзи приезжает в Германию, чтобы стать танцовщицей в одной из известных хореографических школ.

Далее события закручиваются и оказывается, что все далеко не так, как показалось на первый взгляд. Работа камеры настолько виртуозна, что позволяет не только сразу же уловить атмосферу фильма, но и почувствовать себя его частью. Особенно постарался Сэйомбху Мукдипром (оператор картины), передавая движениями камеры поле зрения Сюзи, когда та впервые попадает в школу. У зрителя появляется возможность не только отстраненно наблюдать за  событиями, но и оценить их с точки зрения героини.

Выбор необычных ракурсов камеры, использование зеркал во время диалогов служат инструментом, при помощи которого режиссер открывает подтексты картины. Гипнотизирует эстетичное исполнение танцев, что вплетены в сюжет «Суспирии». Первый танец без использования музыки дополняет общую атмосферу фильма, добавляя в него привкус саспенса. Танец Сюзи, впрочем, как и все последующие, чувственен. Это что-то на грани между хореографией и психологическим театром.

Дыхание танцовщицы, звук соприкосновения тела с танцевальной площадкой создают дополнительный ритмичный саундтрек к фильму, от которого у зрителя по коже пробегает дрожь. В фильме грим и костюмы продуманы до мельчайших нюансов. Точно так же,  как работа с декорациями – все детали в интерьерах фильма работают на сюжет или раскрывают его подтекст.

Актёрское исполнение, особенно Тильды Суинтон и Дакоты Джонсон, находится на высоком уровне. Движения, взгляды и мимика – все живое и к месту. Нет лжи или момента, когда актер не понимает, чего от него хотят, и просто проговаривает текст. Это, безусловно, положительный момент, ведь если актер знает, что делает, и верит в это – зрителю не остается ничего иного, как тоже поверить в происходящее.

Хочу обратить ваше внимание на такую деталь, как  волосы героинь. Сюзи приходит в школу с длинными рыжими волосами, и это не только красиво, но и символично. Длинные волосы – символ власти, свободы и независимости. Кроме того, их цвет соответствует огню, что говори т о присутствии демонической разрастающейся силы внутри человека. Черные волосы символизируют энергию земли, и именно такие они у мадам Бланш – ведущего преподавателя школы. Гуаданьино не просто так сделал прически мадам Бланш и Сюзи похожими.

Если волосы можно сопоставить с душами героинь, то финал картины предначертан. Обращая внимание на  других действующих лиц, мы видим, что  волосами ниже пояса обладают только две вышеуказанные героини, что говорит про их доминирование над другими за счет духовных качеств. Также волосы — это некая линия жизни и связь со вселенной. Чем они длиннее, тем связь крепче. Дальше по сюжету героине, роль которой исполняет Дакота Джонсон, обрезают волосы. Это не только иллюстрация некого посвящения, но и предвестник предстоящего горя. Акцент на волосы еще раз появится в конце картины, там отрезанные волосы танцовщиц используют как одежду. Только эти волосы мертвые, и, следовательно, связывают теперь не с высшим миром, а с миром теней.

Интересно и то, что Берлинская стена расположена прямо напротив входной двери в школу. Стена напоминает о нерациональном разделении мира на добро и зло, что в глазах каждого приобретает свои формы. Картина затрагивает и тему материнства. Надпись в родном доме Сюзи гласит, что мать может быть только одна, но она может быть кем угодно.

Отношение матери и дочери — жертвенность и принятие, любовь и поклонение, наследственность – отношения, которыми мы часто оперируем и за пределами дома. Речь идет не только о феминистических настроях картины, но больше о психологических аспектах поведения женщин.

«Суспирия» притягивает эстетикой движений, музыкальным оформлением и актерской игрой, но моментами и отталкивает — чересчур физиологичными сценами убийства. Пожилой психиатр доктор Джозеф Клемпере р — единственный персонаж картины, которому небезразлично происходящее в школе танцев. Он продолжает бороться за справедливость и спасение, несмотря ни на что. Причем борется он как за свое спасение, так и за спасение других.

Джозеф из лагеря тех немногих, кто воспринимают равенство полов как истину, в то же время отчетливо понимая, что у других иное мнение. Он знает, что когда женщина приходит к психотерапевту, тот выслушивает, но не лечит, расценивая ее жалоб ы, как что-то надуманное, а не как настоящую проблему.

Джозеф Клемперер пытается помочь, но справиться со всем одному невозможно. Образ одинокого и немощного борца за справедливость — это прообраз устройства нашего современного общества, чье безразличие к проблемам других уничтожает его же. Доктора вроде Джозефа бессильны справиться со стихией, которая нависает над миром, где любви и человеческого общения гораздо меньше, чем эгоизма, злобы и одиночества.

Джозеф Клемперер — прообраз совести, которая не сдается, но ее  борьба с внутренним злом безрезультатна. В расплату за непримиримость у доктора забирают самое дорогое – память, в которой живет любовь. А как показывает нам режиссер, без любви и надежды жить невозможно. Лука Гуаданьино говорит о том, что часто тот, кого мы хотим использовать, использует нас. Или другими словами, жертва и есть палач. Да только старый палач, погрузившись в собственные интриги, никак не увидит, что убивать будет не он, а его. Сегодня по всему миру тысячи таких псевдожертв и тысячи палачей, впрочем, как и в прошлом.

Не все, что кажется хорошим, таковым и является. Не все плохое так уж и плохо. Стена напротив школы – это всего лишь условность, которой совсем скоро не станет. Но на ее месте появится другая, визуально или понятийно, но обязательно будет новая – это закон.

Фильм «Суспирия» предполагает раздумья во время просмотра и споры после. Обойти его стороной — ошибка, которая, как известно, хуже, чем преступление. Поэтому советую запастись временем — картина длится 152 минуты, и  валерьянкой — без крови и изувеченных тел  не обойдётся. Возьмите с собой нервно устойчивых друзей и наслаждаться просмотром!

 

 

]]>
Sun, 30 May 10 15:53:12 +0300 http://dumskaya.net/post/suspiriya-luki-guadanino-tantcy-na-esha/author/
:{Шведская «Лолита» или Добрая сказочница?}: Шведская «Лолита» или Добрая сказочница? http://dumskaya.net/post/shvedskaya-lolita-ili-dobraya-skazochnitca/author/ Во время чтения произведений Астрид Линдгрен перед глазами оживает яркая картинка сказочного мира. Просматривая фильм Перниллы Фишер Кристенсен, невольно погружаешься в такую же атмосферу хуторской жизни.

Фильм «Быть Астрид Линдгрен» снят в жанре байопик с элементами драмы. Душещипательные моменты диктует биография писательницы. Родившись и взрослея на хуторе, Астрид лелеяла природу, впитывая ее в себя. Вместе с тем человеческое несовершенство оставило горький след в ее жизни. Ложь, обман, лицемерие задевали юную Астрид, раня душу, но не сломали в ней добро и человечность.

Действие происходит в Швеции, в которую режиссер влюбляет тебя каждым кадром. Картина не только красива визуально, но и психологически насыщена. Меланхоличный ритм повествования погружает в те времена, когда по улицам разъезжали лошадиные упряжки и кабриолеты.

Эпизод в церкви, в котором выделены теребящие «Библию» руки Астрид, раскрывает характер героини. Кадры возвращения большой семьи на повозке домой, что сопровождается шумными комментариями девочки, говорят о ее необузданной фантазии. Во время просмотра фильма кажется, что мы с Астрид давно знаем друг друга.

Пернила Кристенсен раскрывает вечную тему взаимоотношений отцов и детей, но в то же время не перестает говорить о любви в разных ее ипостасях. Моментов «Сейчас тушь потечет» или «Лишь бы сосед не увидел, что я плачу» — в фильме много.

Это добрые слезы катарсиса, очищающие наше затуманенное цифровым миром потребительское сознание. Вспоминаешь, что ценно в жизни, а что ничтожно. Любовь, семья, близкие, смех, слезы – вот ради чего стоит жить. Откуда бы взялись все книги писательницы, если бы она все это не пережила? Астрид переболела, переплакала, пересмеялась с каждым своим героем.

Только то, как она начинает писать, вы не увидите, а хотелось бы. Фильм обрывается до этого момента, и секрет создания шедевров остается не раскрытым. Первая книга Линдгрен «Пеппи Длинныйчулок» была издана в 1945 году, когда писательнице исполнилось 38 лет. Она уже не работала секретаршей, а стала домохозяйкой.

Воспитывала своих детишек не в захудалом домике с туалетом на улице, а в квартире с видом на стокгольмский Васапарк. Книга «Пеппи Длинныйчулок» появилась, как говорила Астрид, благодаря дочери Карен —  когда та заболела, то попросила маму рассказать историю про девочку, имя которой придумала сама. Вот так и родились герои нашего детства: любитель варенья Карлсон, озорной Мадикен, Эмиль из Леннеберги и, конечно же, Ронни – дочь разбойника.

Фильм «Быть Астрид Линдгрен» определен как семейный — возрастное ограничение «12+». Тут у меня возникает вопрос. Касается он не режиссерской работы, а деятельности Госкино. Мир бежит все быстрее, дети, безусловно, более развиты. Но, хотела бы я, чтобы мой ребенок, будучи в шестом классе, смотрел, как юная девочка занимается сексом с взрослым женатым мужчиной? Нет.

В картине несколько сцен эротического содержания. Они эстетичны, но присутствие оголенной груди и характерных движений – смущают. Оценка 7.4 на IMDb выглядит очень неплохо и говорит о том, что фильм воспринимают по всему миру. Только не у всех возрастное ограничение как у нас, остальные склоняются к «16+».

Длительность картины 123 минуты. «Быть Астрид Лингрен» получил две награды и три номинации на международных фестивалях. Если вы поклонник творчества писательницы или осеннее настроение требует от вас просмотра хорошего фильма в сопровождении чая – вперед. Астрид ждет вас в своем мире. Заходите в гости.

 

]]>
Fri, 28 May 10 09:05:03 +0300 http://dumskaya.net/post/shvedskaya-lolita-ili-dobraya-skazochnitca/author/
:{Холодная война, или Идеологическое противостояние влюбленных сердец}: Холодная война, или Идеологическое противостояние влюбленных сердец http://dumskaya.net/post/holodnaya-voyna-ili-ideologicheskoe-p/author/ Польский и британский кинорежиссер Павел Павликовский не просто снял психологическую драму про взаимоотношения мужчины и женщины, но и создал материал, который позволил ему забрать премию за лучшую режиссуру на Каннском кинофестивале, где и состоялась премьера фильма 10 мая 2018 г.

По-настоящему нарицательной фамилия режиссера стала после громогласных номинаций и, как итог, победа в Каннах фильма «Ида». Павликовский заявил о себе не просто как о талантливом создателе, но и как об эстете. Каждый план, ракурс его картин – произведение искусства.

Фильм «Холодная война» исполнен в черно-белом цвете. Что сделано для еще большего акцентирования внимания на простые вещи: человека и его чувства, на судьбу в возникших обстоятельствах.Название фильма тоже не такое простое, как может показаться на первый взгляд. В нем заложено два смысла: прямой, это некое нарицание на эпоху, и переносный – речь идет про «холодную», подсознательную войну между внутренним Я героев, которых сближает любовь, но разделяет мировоззрение.

Стоит ли смотреть этот фильм?

Картина получила свои 7.9 баллов рейтинга на IMDb, и ряд наград на кинофестивалях: Cannes Film Festival – награда за лучшую режиссуру, Ghent International Film Festival – приз зрительских симпатий и гран-при за лучший фильм, International Cinematographers' Film Festival Manaki Brothers – бронзовая камера (отмечен оператор Лукаш Жаль), Polish Film Festival – все награды на которые был номинирован, лучший монтаж (Ярослав Каминский), лучший звук, Золотой кенгуру и Золотой лев за лучший фильм.

В целом это 1 час 28 минут качественного кино с песнями, танцами, эротизмом (не удержались, чтобы не показать обнаженную грудь главной героини), и слезами, причем не только зрителя.

«Холодная война» однозначно понравится романтикам, одиноким девушкам и людям за сорок. Начиная с первого кадра, режиссер вводит зрителя в атмосферу времен, когда Советский Союз опустил железный занавес в Европе. Первый эпизод: 1949 год — оккупированная советскими войсками Польша. Грязь под ногами, появляющаяся на экране с самого начала, не только визуально оживляет картину, но и смыслово насыщает, становясь символом грязи в человеческих душах, которая не засыхает.

Под гнетом коммунистической идеологии она бродит, порождая зловоние. В глазах героев маячит усталость и боль, которую они пытаются придавить, спрятать за песнями или алкоголем. Но боль подобно сорняку неустанно прорастает.

Еще не могу не сделать акцента на завораживающим кадре разваленной церкви. Дело не в самой церкви, хотя и она довольно сильный символическо-психологический ход, я хочу обратить ваше внимание на печальные глаза – все, что осталось от фрески изображения Христа. Эти глаза – символ божественного созерцания событий того времени. У церкви нет крыши, что само по себе очень даже реально, но в то же время служит прообразом отсутствия защиты с небес.

Исходя из цитаты- «По образу Небесной Церкви, создается Церковь земная»(1Кор. 6, 19), — храм символизирует Вселенскую Церковь, мир Божий. Разрушенный храм в фильме — прообраз разрушения общечеловеческих истин и ценностей. Купол, что в картине отсутствует — символ Христа, как главы церкви, то есть Бог, тоже покинул этот край. Подкупольная часть – такая себе шея, соединяющая голову с телом — символ апостолов, благодаря которым прихожане имеют общение с Христом.

«О том, что мы видели и слышали, возвещаем вам, чтобы и вы имели общение с нами» (1Ин. 1, 3). То есть, без прямого апостольского преемства, хранимого церковью, общение с Богом невозможно. Контакт нарушен, а значит в мире, воссозданном в «Холодной войне», нет благословения, что влечет за собой страдания. Вместе со стертым лицом фрески, от которого остались лишь глаза, и отсутствующей купольной частью, фильм открывает заложенную режиссером мысль о том, что небеса из защитника человечества превратились в немого созерцателя мировой катастрофы, виновниками которой стали люди, как в прочем и ее жертвами.

Несмотря на прикосновения режиссера к каждому кадру и глубокой философии картины, актерская игра меня не затронула. Если героиня Зула (Иоанна Кулиг) меняется со временем и мы вполне ощущаем динамику ее роли, внутреннюю жизнь, что тянет за собой внешнее проявление, то актер, исполняющий роль Виктора (Томаш Кот), меняется только тогда, когда гример наносит новый грим, а стилист меняет прическу.Это не добавляет в суп соли и кушать его становится труднее, если ты, конечно, не смертельно голоден и тебе вообще без разницы, что принимать во внутрь.

Кроме того, сценарий не совершенен. У героев часто отсутствуют мотивация и логика поведения. Всякое действие в реальной жизни оправдано или внутренним побуждением, или внешним воздействием, чего в фильме я не увидела. Не скажу, что это столь критично, но время от времени возникает вопрос «Зачем?» или «К чему это?».

«Холодная война» Павла Павликовского закольцована, что само по себе хоть и не ново, но дает некое ощущение целостности режиссерской мысли. В конце картины на замену танцам на барной стойке, джазу, поездке по Сене, пейзажам Сплита, Берлина, Парижа — только ветер, нагибающий траву в поле, закат и все тот же разрушенный храм.

«Идем на ту сторону, там пейзаж лучше», — эта фраза, вместе со строчкой из песни, написанной Лебедевым-Кумачем и исполняемой Утесовым, которую так любит напевать героиня фильма:«Сердце, тебе не хочется покоя…», - становится жизненным кредо героев, которые в поисках лучшего теряют то хорошее, что них есть.

Фильм таки стоит посмотреть, тут не надо рассчитывать на «сладкую» голливудскую попсу, под которую попкорн еще вкуснее. «Холодная война» смотрится натощак и, оставляет во рту горький привкус, который будет уместно обсудить с друзьями за чашкой черного кофе без сахара. 

 

]]>
Thu, 27 May 10 11:24:46 +0300 http://dumskaya.net/post/holodnaya-voyna-ili-ideologicheskoe-p/author/
:{"Bohemian Rhapsody": эпическая песня в импровизированном стиле или фантазия на тему Queen?}: "Bohemian Rhapsody": эпическая песня в импровизированном стиле или фантазия на тему Queen? http://dumskaya.net/post/bohemian-rhapsody-chto-eto-epiche-/author/ Снять картину на 134 минуты с бюджетом в 52 миллиона и при этом трижды менять исполнителя главной роли (сначала речь шла про Сашу Коэна, позже про Бенжамина Уишоу, и наконец-то в 2016 году заговорили о Рами Малеку, собственно, которого мы и увидели на экране), а также крутить-вертеть режиссерами (в 2013 заявили Декстера Флетчера, в 2016 появились информаци, что режиссером станет Брайан Сингер, который и вправду начал работать над проектом, но через год был отстранен, а на замену пришел не кто иной, как Декстер Флетчер), собрать 134 108 665 долларов и, несмотря на критику, заполучить свои 8.4 балла на IMDb, столь вызывающе смогли родить эту картину только участники «Queen » Брайан Мэй (гитарист) и Роджер Тейлор (барабанщик), став авторами идеи и эксклюзивными музыкальными продюсерами. О ком этот фильм и кому его смотреть?

Картина снята в жанре «байопик» или по-простому – биографической драмы, имеет одноименное название с песней, ломающей все правила, скандально рожденной, но все же сумевший захватить верхушки всех возможных и невозможных хит-парадов, и ребенку понятно, о ком фильм. Ну конечно же, он про самую известную за всю историю рок-музыки группу со скромным названием «Queen ».

Фильм семейный, а значит менее или более, но интересно будет всем. Исключением могут быть члены семьи ниже метра. В этом возрасте свинка Пепа способна составить серьезную конкуренцию Меркьюри, да и про рок и наркотики им узнавать рановато. В центре картины солист «Queen » Фредди Меркьюри (имя при рождении Фарух Булсара), головокружительный тенор, рожденный в Занзибаре(архипелаг из 75 островов в Индийском Океане, вдоль восточного берега Африки), а в итоге вошедший в сотню величайших британцев (58-е место по опросам «Би-би-си»).

Хотя фильм заявлен как биографическая драма, его идеей стала не демонстрация биографии группы. Главный акцент в картине смещен на человека, борьбу и веру в себя. Сколько грязи, оскорблений и палок в колеса не всовывали бы тебе, если ты на что-то способен и знаешь об этом — иди вперед. Потому, что ты уже чемпион, а победители борются до конца. «Что это за зубы», «пакистанец», «гей», «извращенец» — как и каждый из нас, Фредди сталкивался с невежеством и злобой. Вера в себя, мечта — вот что было сильнее всего. Любовь. Любовь к музыке, жизни.

Прообраз любви — коты, которые ничего не ждут от Фредди, они мурлыкали ему, когда тот был грузчиком, и когда делал свои первые шаги в музыке, точно так же животные относились к нему когда Мерькюри стал звездой, и когда тонул в эмоциях и наркотиках. Коты остались с ним когда он заболел продолжая любить, как раньше — не больше, и не меньше. Любить просто так, беспрерывно. Таким каков он есть. Их крупные планы, умиротворяющее мурлыканье возникают в картине с первого кадра. Также любовь – это семья, что примет тебя, как «блудного сына» потому, что ты это ты.

Фильм переполнен теплотой – колористика только усиливает ее. Коричневые, бежевые и золотые оттенки доминируют в картине, затягивая тебя внутрь. Вот ты уже на концерте, в будке звукозаписи поешь вместе с Фредди или выжимаешь с Мэйем. Операторская работа просто потрясающая! Ньютон Сигел постарался на славу. Я согласна, что детальное скольжение камеры по инструментам, гитара, микрофон, барабаны, от которых отскакивают брызги, крутящаяся пластинка крупным планом, пальцы на ползунках пульта, точно так же, как и эмоциональная сцена под дождем, где капли, стекающие по лицу Меркьюри, не то слезы героя, не то просто вода – своего рода клише, но, черт побери, как же это атмосферно! Если выбирать между атмосферой и новизной – я за первое! Выеживания операторов и желание режиссеров быть «другими», такое себе новаторство ради новаторства, которое диссонирует с сюжетом и не соответствует идее, согласитесь - это чистое дилетантство.

Крупные планы в фильме просто волшебные. Ты словно смотришь герою в глаза и видишь душу. Особенно трогает «итальянский план» на стадионе «Уэмбли», где, как в старых ковбойских фильмах, Ньютон Сигел показывает нам глаза Фредди Меркьюри. Искрящиеся, жадно пожирающие сумасшедшую энергетику толпы глаза. Они как оголенный нерв, впечатление, что он поет ими не хуже, чем связками.

Конечно, обращаясь к реальной истории группы «Queen», все было не совсем так, как в фильме. Встреча Меркьюри с ребятами после ухода вокалиста, отношения с Мэри (Люси Бойнтон)… Но быть объективным в истории, которую миллионы видят по-своему, невозможно. Да и не нужно. Как выразился Грэм Кинг: «Мы меньше всего стремились к тому, чтобы передать точную канву событий. Мы снимали кино для семейного просмотра, про каждого из нас». И у команды, работающей над этим фильмом, все получилось.

Про игру актеров говорить скучно, все хороши до неприличия. Как и сколько готовился к роли Малек, мы отследили на экране, наблюдая те же крупные планы, его мимику — прикусывание губы, слегка поднятый вверх подбородок и закрытые глаза при исполнении самого сокровенного. Ну и конечно же, культовые движения с микрофоном, неугомонная жестикуляция руками – все его тело, как натянутая струна гитары Мэя — изящная, на надрыве и звучащая так сладко, словно пение ангелов. Ребята поработали на славу. Во время просмотра ты просто влюбляешься в исполнителей.

Про музыку я писать не буду. Все понятно. Да и описать это нельзя — нужно слушать. Скажу только, что саундтрек состоит из нескольких хитов и 11 ранее не изданных записей. Понимаете, о чем я? В кино есть все — динамика и атмосфера, хорошая актерская игра и, конечно, операторская работа. А чего стоят коты? Тем, кто скажет — наигранно, попсово, слишком много блеска, слишком яркий свет, отвечу — а чего вы хотели? Фильм про рок-группу, а не про местного священника. Да, трагедия в судьбе Меркьюри была, но сколько же было другого — таланта, целеустремленности, любви и побед! Декстер Флетчер и Брайан Сингер проделали хорошую работу. Профессиональную. И пусть говорят! Про «Queen» тоже много говорили, оспаривали и занижали планку. Тех, кто говорил, не помнят, а группа «Queen» стала королевой мировой рок-музыки. 

 

]]>
Wed, 26 May 10 13:24:54 +0300 http://dumskaya.net/post/bohemian-rhapsody-chto-eto-epiche-/author/