Как утверждает южнокорейский шоураннер Хван Дон Хек, идея сериала «Игра в кальмара» пришла к нему более 10 лет назад. Все это время он безуспешно пытался воплотить ее в жизнь, пока на сцене не появился стрим сервис Netflix.

Общий бюджет сериала составил 21, 4 миллиона долларов, где-то 2, 38 миллиона долларов за серию. А вот доход от продукта, предвидится в 891 миллион, то есть приблизительно в 40 раз больше. Нравится такая математика? Можно сказать, что это очередной коммерческий продукт, который и в подметки не годится «авторскому» кино, но… Действительно ли заявку на коммерческий успех можно приравнивать к низкокачественному кино? Давайте разберемся.

Когда в сентябре 2021 года сериал увидел мир, буквально за первые полмесяца он попал в чарты стримингов более, чем 90 стран. Возможно, этот успех определил высокий уровень жестокости, вспомним восторг и зашкварные рейтинги сериала «Ирга престолов» (GamesoftheThrones), количество смертей в котором измеряется сотнями. Ни для кого не секрет, что рецепт «успешного» кино – это смесь денег, насилия и секса. В сериале «Игра в Кальмара» присутствуют все ингредиенты. Деньги являются главной мотивацией вступления в игру, а насилие есть ее неотъемлемая часть. Линия «любви и мести» тоже присутствует, прописана ярко и без лишней застенчивости.

Анализируя сериал, можно уверенно сказать, что никакого открытия в нем нет. Во главе сюжета герой Сон Ки Хун (Ли Джон Джэ) – измученный жизнью мужчина, разведенный, задолжавший всем игрок, живущий за счет мамы. Ситуация обостряется, когда бывшая жена собирается переехать из Кореи в США и забрать с собой ребенка. Собственно, это и становится тем подталкивающим происшествием, что заставляет Ки Хуна набрать номер из недавно полученной от вербовщика визитки.

Мотивация — попытаться предотвратить потерю дочери. Цель — то, что двигает сюжет или как говорят в Голливуде «want» – выигрыш. А то, что притягивает нас или «Need» героя – в данном случае его потребность осознать истинную ценность жизни, дружбы и человеческой свободы. Сон Ки Хун просто хранилище изъянов – игроман, слабый, избегающий ответственности и препятствий. Но это отлично, ведь на протяжении сериала он будет меняться. Именно на этом и стоит сюжетная «перипетия» и «арка героя» — путь персонажа с осознанием своих слабостей и трансформацией в финале. Вспомните конец сериала, разве герой остался прежним? Разве теперь деньги для него важны?

Испытанная временем голливудская формула структуры фильма и тут работает, как часы. Я вам скажу больше, используя ее фундамент, пишут и снимают 99.9 процентов мирового кино. Это не делает фильм плохим. Ведь и дома строят, используя устоявшиеся технологии, а они получаются все равно разные как стилистически, так и по размерам, и формам. Итак, наш герой странным образом попадает в помещение, где помимо него 455 человек пытаются разобраться, как и зачем они сюда попали. Им объясняют правила игры, выиграв которую становишься миллиардером, а проиграв – умираешь. Ну, и конечно есть нюанс — победитель будет только один. Реальный страх потери жизни после первого раунда заставляет участников проголосовать и большинством в один голос покинуть игру. Но, как оказалось, ненадолго. Им нечего терять. У каждого проблемы с финансами, и это их единственный шанс… Поэтому вскоре они возвращаются, и наш герой с ними. Игра продолжается.

В 2020-м году вышла подобная история, «Самая опасная игра», созданная Ником Санторой – про охотника, который попадает на необитаемый остров и сам становится добычей. До него были «Голодные игры», «Пила», фильм 2019 года «Охота», «Смертельная добыча», русский мини сериал «Заповедник страха» или «Игра на выживание» далекого 1994 года…

Все эти истории объединяет одна сюжетная задумка – группа людей или одиночка становится участником игры, в которой он оказывается жертвой, а на кону его жизнь. «Игра в кальмара» предлагает нам все то же, только сама игра по началу кажется наивно-детской. Так зачем же режиссер и автор сериала Хван Док Хек предлагает нам те же затертые штаны, только в новом цвете?

Ответ обнаружился в его интервью IndieWire, где он подчеркивает мысль о том, что высокая конкуренция в современном капиталистическом обществе это не что иное, как серьезная насущная проблема, вот он ее и освещает, как может. «Игра в Кальмара» предлагает нам задуматься над несколькими острыми вопросами современного общества и это и есть главным достоинством сериала.

Хван Док Хек показывает нам ужасающее финансовое неравенство, которое, собственно, наблюдается во всем мире, и в нашей стране, в частности. Пенсия 100-150 долларов в месяц, минимальная зарплата в размере около 250 долларов и в то же время — переполненные рестораны со средним чеком 100 долларов за двоих, пробки из машин стоимостью в десятки тысяч долларов и более. В общем, мы тоже кое-что знаем о бедности и несправедливости, показанной в сериале.

Поэтому я не возьмусь утверждать, что сделай кто-то такую игру в Украине, он не наберет участников, которые рискнут, чтобы обеспечить безбедную жизнь своим детям, спасение от болезней родственникам, покупку жилья. Помимо этой темы, режиссер поднимает вопрос пропасти между молодым и старшим поколениями. Вспомните образ мамы Сон Ки Хуна и колющее различие их взглядов на мир в начале фильма. Молодые жаждут получить все и сразу, не прикладывая усилий и не ценя труд. Учитывая то, что мы знаем о большинстве молодежи – их отношение к старшим, вопрос оценки труда, зашлакованность информационным и другим фаст-фудом, проблемы с концентрацией и в том числе книжный вопрос, деградация семейных и общечеловеческих ценностей… Что ж, автор и тут попал в яблочко.

Оглядываясь на операторскую работу, невольно вспоминаются фильмы Стэнли Кубрика. Стоит сказать, что сама декорация, работа с цветом, линиями и постройкой мизансцены кадра говорит о том, что если Хван Док Хек и не фанат Кубрика, то с его творчеством хорошо знаком. Симметрия, чистота кадра, работа с перспективой – все это делает просмотр приятным. И не важно, кто вдохновлял режиссера – Стэнли, Мунк или Тим Бертон с фильмом «Чарли и шоколадная фабрика», но работа сделана качественно несмотря на то, что «Америку нам никто не открыл».

Касательно актерской игры, то она не то, что непривычная для нас, а напыщенно преувеличена. Но и тут критиковать актеров и режиссера не стоит, так как наша (Чеховская, Станиславского) и американская (Чаббак, техника Мейзнера или Ларри Мосса) актерские техники совершенно отличны ихней, и как следствие манера игры отличается. Учитывая обстоятельства, в которые попадают герои, сложность решений, которые им приходится принимать, фильм, безусловно, оставляет сильный психологический след. Но в то же время, нельзя не обратить внимания на моменты зрелищности радизрелищности, моменты, где мотивация бесстыдно хромает, и бессовестно используются киношные «штампы». 

Вспомните хотя бы внешний вид и манеру поведения VIP-ов, наблюдающих за игрой (проститутки, виски, маски). Впечатление, что это сборище беспринципных и лишенных чувств и разума идиотов. Но, как говорил Станиславский: «Когда играешь злого — ищи, где он добрый. Когда играешь старика — ищи, где он молод». Точно так надо делать, когда пишешь сценарий, дабы твои герои не были плоскими, как вышло в данном случае.

Неоправданный и оттого еще более трафаретный момент с убийством брата главного героя, «Мастера игры». Не говоря уже про трюк со стариком-организатором, который откровенно попахивает «дешевым» шаблоном. 

Публика сериала «Игра в Кальмара» делится надвое – на тех, кто сопереживает игрокам и на тех, кто жаждет кровавых зрелищ на гладиаторской арене, что помогает расширить аудиторию, ибо каждый находит то, что нужно именно ему…

Но важно здесь даже не это, а то, что современные кинематографисты готовы говорить на актуальные, некомфортные темы.

Пусть этот разговор не всегда гладкий, продуманный и свежий, как только что испеченная булочка, но, тем не менее, он необходим, как вода. Да, мы можем пить ее в минимальном количестве, можем заменять колой или соком, но что станет с нашей кожей и организмом в целом?

Точно так же общество может жить, не акцентируя внимания на актуальные общечеловеческие вопросы, но к чему это безразличие нас приведет?

Виталия Бабущак  

Чтобы передать боль, не обязательно ее причинять. Полнометражная дебютная лента Наримана Алиева разговаривает с аудиторией символами и подтекстами.
 
В девяносто семь минут экранного времени поместилась история, в которой позыв внутренней нравственной ориентации мощнее и интереснее внешних столкновений героев.
 
Исходя из философско-психологических исследований можно констатировать, что все человеческое неразделимо с моралью, которая формируется под воздействием истории, конкретизируясь системой ценностей каждого из нас. Словно гены, духовно-практические приоритеты бытия передаются от родителей к детям, становясь основой, на которой мы потом строим всю жизнь. Герои картины «Домой» не стали исключением.

Фильм освещает жизнь крымских татар после аннексии Крыма. Их вынужденный побег с родной земли, как и вынужденное приспособление к новой жизни, зарождают сопротивление окружающему миру. Оно возникает от  психологического одиночества, которое поневоле чувствуют герои, а позже усиливается непониманием их моральных и этническо-культурных устоев окружающими согражданами.
  
Мустафа, герой фильма Наримана, представлен зрителю как искалеченная личность. Война, пришедшая в Украину, забрала жизнь его первенца Назима и отдалила второго ребенка, Алима. Затем обстоятельства пытаются вынудить Мустафу отказаться от духовно-моральных принципов: похоронить сына за пределами родной земли, аннигилировав семейные и религиозные традиции. Собственно, это и становится главным внутренним и внешним конфликтом картины.
 
Тема, поднятая в этой работе, не только актуальная, но и оригинальная.
Зрителю предоставляется возможность взглянуть на жизни людей, у которых война отобрала семьи, покой и родную землю. Оценить ее разрушающее влияние на нравственность и гуманизм человека, зажатого в этих страшных обстоятельствах.   
 
Проводником идеи, заложенной в фильме, стал не сценарий, который написал Нариман, а точная актерская игра. Участие в фильме Ахтема Сеитаблаева в качестве главного героя прибавило картине художественной ценности и здорового драматизма. Но в то же время заострение проблематики фильма за счет бьющего на эффект видеоряда вместо того, чтобы вызвать скупую слезу – вызывает зевоту.

Первый кадр некоего мистического ландшафта с одиноким деревом, безусловно, создает ностальгическую атмосферу, но скучный и местами затянутый монтаж отвлекает от предлагаемой истории.

Причем эффектом «пресного кино» страдают только первые двадцать минут картины, дальше темпо-ритмический рисунок налаживается. Вероятно, симпатичная актерская игра и динамичное развитие сюжета затягивают внутрь истории, давая возможность дышать в рамках картины.

Если верить в то, что в искусстве головой всему идея, то фильм Наримана Алиева крепко держится на ногах. Картина вынуждает аудиторию думать, анализировать и, вне всякого сомнения, стоит вашего внимания.

В 2006 году победа фильма «Столкновение», который оттеснил «Горбатую гору» для многих стала первым разочарованием.

91-я церемония награждения — вторым, но не менее неожиданным, ведь несмотря на критику и сильных соперников, картина режиссера Питера Фаррелли «Зеленая книга » все-таки получила «Оскар».
Фильм стал победителем в номинации «Лучший фильм года», обойдя нашумевшую картину «Рома», фильмы «Богемская рапсодия», «Фаворитка», «Черная Пантера», «Рождение звезды», «Черный Клановец» и «Власть».

С Питером Фаррелли многие познакомились благодаря довольно неоднозначной картине «Тупой и еще тупее». Не менее спорной по оценке зрителей стала и «Зеленая книга».
Действие картины разворачивается в Америке 60-х годов, которая продолжает борьбу за расовое равноправие. В то время открытое пренебрежение к темнокожим трансформировалось в скрытый расизм, лучше упакованный, но по-прежнему ранящий ментально и физически.
«Зеленая книга» создавалась на основе реальной истории отношений между бывшим вышибалой Тони Валлелонгой и пианистом Доном Ширли, роли которых сыграли Вигго Мортенсен и Махершала Али. После того как клуб, в котором работал Тони, на время закрыли, он ищет хоть какую-то работу, чтобы прокормить семью. Тут судьба и сводит его с Доном Ширли — талантливым пианистом, которому нужен водитель на время турне по Америке.
Тони Валлелонга — итальянец по происхождению, практикующий скрытый расизм, Дон Ширли — афроамериканец, пытающийся с ним бороться. Актуальность заложенного в книгу конфликта, и сегодня не теряет мирового масштаба – неприятие расового разнообразия.

«Зеленая книга» это фильм о смирении и умении сохранять достоинство. Собственно расизм, на фоне которого разворачиваются события фильма, это реакция человека на нечто, с чем он не готов мириться, зачастую реакция негативная, бесчеловечная.
Картина начинается сценой в ночном клубе «Copacabana», где Тони по прозвищу «Болтун» завязывает связи с высшим обществом весьма сомнительным путем. Режиссер обрисовывает образ одного из главных героев, позволяя аудитории отыскать параллели, связывающие реальность, в которой пребывает зритель, с хитросплетениями истории. Не менее значима для обозначения остроты сложившийся ситуации следующая сцена — приход темнокожих рабочих в дом Тони Валлелонги. Его  жена угощает гостей лимонадом в знак благодарности, Тони же после их ухода выбрасывает стаканы, из которых пили ребята, в мусор, подчеркивая свое брезгливое отношение к афроамериканцам – скрытый расизм, который, к сожалению, мы встречаем и сегодня в нашей стране по отношению к людям другой национальности.
Это только первая, самая простая, но от того не менее гуманистическая идея, заложенная в основу фильма. Национализм — животный инстинкт, ему не место в современном мире. Как сказал президент Франции Макрон: «Национализм это враг патриотизма». Человек должен оставаться морально и духовно справедлив вне зависимости от цвета кожи или национальности своего оппонента.
Питер Фаррелли назвал фильм «Зеленая книга» в созвучии с издаваемым в то время справочником-путеводителем, содержащим информацию о местах (отелях, ресторанах), куда афроамериканец мог пойти, не боясь натолкнуться на агрессию со стороны белого населения.
Второй герой картины Дон Ширли, известный пианист, смиренно соблюдает рекомендации этой книги. Сначала это кажется вполне естественным, но потом начинаешь осознавать всю унизительность ситуации.
Надо сказать, что режиссер особенно внимателен к деталям, которыми наполнена картина. Сцена большого концерта в пафосном доме богачей, где все восхищаются мастерством Ширли, заканчивается колючим эпизодом. По-прежнему улыбаясь музыканту, хозяева не разрешают ему пользоваться туалетом в доме. Несмотря на стрессовость ситуации, как моральную, так и физиологическую, музыкант не вступает в конфликт. Он с достоинством берет паузу и едет в отель, а потом возвращается, как ни в чем не бывало. Много ли терпения надо для такого поступка? Точно не мало.
Тони Валлелонга, наблюдая за Ширли, проникается к нему состраданием, отбрасывая свои предрассудки, и, более того, начинает многому учиться у него.
Так рождается настоящая дружба, пропитанная взаимным уважением. Ширли воспринимает Тони-Болтуна таким, какой он есть – необразованным, грубоватым, а тот в свою очередь принимает Дона, понимая его мотивы, восхищаясь терпением и достоинством, которые герой демонстрирует каждый день.
Фраза, которую скажет Дон Ширли, вместе с Тони несправедливо задержанный полицейскими, становится фундаментом картины: «Тебе не победить насилием. Победить можно, только сохраняя достоинство. Достоинство побеждает всегда».
Визуальная часть фильма завораживает. Выбранные ракурсы вместе с отличной игрой актеров создают впечатление отсутствия экрана, отделяющего мир фильма от реальности. Темпераменты героев своим отличием друг от друга создают гармонию в кадре.
Сценарий картины основан на реальной истории, но куда интереснее тот факт, что именно сын Тони-Болтуна, Ник Валлелонга, принимал участие в создании сценария. Что касается участия в фильме Вигго Мортенсена, то ему, чтобы угодить Нику, пришлось добавить к своему весу более двадцати килограмм, ну и конечно же, воссоздать итальянский акцент, что у него получилось достаточно хорошо.
Исполнитель роли Ширли Махершала Али блестяще поработал над мимикой и жестикуляцией персонажа, сделав образ аристократично манерным, что в свою очередь подчеркнуло постоянную внутреннюю напряженность героя.
Сценарий фильма, несмотря на остроту ситуации, легкий, наполненный шутками и слегка романтичный. Некоторые расхождения с реальной историей только усиливают картину, делая ее привлекательней для зрителя. Но тема расизма здесь совсем не главная, режиссер говорит о важности сохранять достоинство в любой жизненной ситуации.
Герои фильма заявляют, что важнее всего понять и узнать себя, тогда и все остальное станет яснее.
Также режиссер поднимает тему одиночества, из которого, собственно, и вытекает неуверенность в том, кто ты и какое место в этом мире достойно тебя.
«Одинокие люди всегда ждут, что кто-то сделает первый шаг», — говорит герой картины. Одиночество заставляет человека бояться самого себя и правильности своих решений. Человек в современном медийном мире более одинок, чем когда-либо — люди тонут в глубинах соцсетей и телевидения, теряя живое общение.
Сцена, в которой Дон рассказывает про пианистов, которые не могут играть без стакана виски, усиливает звучащую в картине тему одиночества и неверия в себя. «Они жалеют себя», — поясняет Ширли. Режиссер же хочет донести до аудитории, что не надо прятаться, надо решиться на первый шаг и пройти его с достоинством, несмотря на первую реакцию окружающих, на сиюминутный результат. Как говорят герои фильма: «Гения недостаточно, нужна храбрость, чтобы изменить мышление людей».
У Питера Фаррелли было достаточно и того и другого, именно поэтому картина трогает не только сердце, но и ум, заставляя задуматься над своими действиями и словами.
«Зеленая книга» это глубокий фильм, поднимающий со дна потертые старые монеты, ценность которых только увеличивается со временем, как и ценность идей гуманизма.

Жена захотела отучить мужа от пьянства. И то пробовала, и это — ничего не помогало. Обратилась к знакомым, те посоветовали купить водки, налить ее в ведро и  бросить туда дохлую кошку, чтобы у него осталось отвращение к спиртному на всю жизнь. Так и сделала. Приходит с работы и видит — муж стоит над пустым ведром, и выжимая кошку говорит: «Мурочка, еще капельку! ».

Не прошло и девятнадцати лет, как герои первого фильма «Неуязвимый» и «Сплит» встретились в картине «Стекло», чтобы продолжить свою историю.

В их жизнях, как и в карьере их создателя, Найта Шьямалана, органично переплелись победы и поражения. Как ни странно, фильмография режиссера состоит как из картин, ставших культовыми, так и откровенно плохих. Очевидно, что и конфликт, заложенный в сюжет фильма «Стекло», весьма ожидаем, исходя из финала предыдущий части.

Картина раскрывает историю жизней Элайджи Прайса, Дэвида Данна и Кевина Крамбла спустя какое-то время после происшествий, описанных в «Сплите». Все трое уверены в своей сверхчеловеческой силе, вследствие чего попадают в психиатрическую больницу, где обаятельная доктор Элли Стейпл развенчивает их убеждения.

Атмосфера картины  отличаетсяот атмосферы, созданной в первых фильмах, отсутствием саспенса и психологического напряжения, которые щекотали нервы в предыдущих. Это же касается и жанра. Если раньше он определялся как  психологический триллер с элементами супергеройского фэнтези, то в «Стекле» режиссер откинул психологию и сосредоточился на жанре супергеройское фэнтези, что сделало картину более исскуственной, и сузило аудиторию.

 Вероятно, нехватка опыта режиссера в работе над фильмами о супергероях, несмотря на осознанно выбранный жанр, все-таки вылилась в искушение добавить в картину привкус психологического триллера, что в данном случае негативно повлияло на темпоритм. Присущая супергеройскому кино динамичность монтажа и съемки отсутствовала в первой половине «Стекла», тем самым истощая зрителя чрезмерной затянутостью, что благодаря предсказуемости сюжета и очевидности последующих поворотов истории, создавало впечатление однообразия.

Но с приближением конца картины, за счет интересных наполненных действием эпизодов, динамика возрастает, возвращая к жизни зевающего зрителя.Картина не поражает неординарными стилистическими решениями или утонченным визуальным видеорядом. Тем не менее, моментами правильный ракурс и хорошо подобранные декорации притягательны своей простотой. Местами детали, появляющиеся в кадре, тщательно продуманы, но речь идет далеко не обо всем фильме, и назвать его впечатляющим в плане стиля невозможно.

Помимо затертых эпизодов под дождем, эпичности заброшенных заводов и аскетичного минимализма больничных стен, зрителю нечем порадовать глаз, кроме как довольно сильным, хотя и «изношенным», актерским составом.Несмотря на вышесказанное, актерская игра привлекает, моментами заставляя поверить в происходящее и даже сопереживать. Брюс Уиллис (Дэвид Данн), Джеймс Макэвой (Кевин Крамб) и Семюэл Л.Джексон (Элайджа Прайс) – вместе смотрелись в кадре довольно органично.

Безусловно, стоит отметить интересное исполнение Макэвоем роли Кевина. Изображая сложного героя, страдающего множественным расстройством личности, актер поработал не только над мимикой и пластическим рисунком каждой из них, но и над психологическим наполнением, что проявилось в интонациях и тонкой работе с голосом.

Работу актеров назвать тонкой и довольно качественной можно, чего нельзя сказать про работу режиссера. Скорее всего, злую шутку с Шьямаланом сыграл сценарий. История, заложенная в основу фильма, слишком куцая для полнометражной картины с продолжительностью в 126 минут – отсюда и возникает «Мурочка, еще капельку», когда режиссер растягивает пятиминутную сцену, делая из нее десятиминутное обсасывание уже вываренных костей.Тем не менее, обходить стороной эту картину не стоит. Несмотря на свои минусы, она все же подытоживает трилогию, и иллюстрирует обоснованное завершение довольно необычной, завязавшейся в 2000-м году, истории.

Милый спутник и враг мой милый!

Ты в глаза мне вбрызнул смех,

И мазурку мне вбрызнул в жилы.

М.Цветаева

Комедия — легкий жанр, тяжело дающийся его создателям. В советское время, чтобы попасть на экран, нужно было рассмешить несколько комиссий. Сегодня достаточно рассмешить продюсера, чтобы он вложил деньги в производство фильма, но это проблема не менее сложная.

Любовный треугольник знаком многим, а вот любовный квадрат не столь изучен. Фильм «Я, Ты, Он, Она» повествует именно о такой геометрической фигуре. Ка ждая из ее сторон практически довольна своим положением. Единственный «волос», торчащий из совместно сваренного супа, который все же портит аппетит во время любовного застолья – это несостоявшийся развод. Расторжения брака жаждет каждый. Но путь к освобождению от «уз Гименея» длинен и извилист, что дает возможность сценаристам обречь героев, которых играют Евгений Кошевой, Надежда Дорофеева, Анастасия Короткая и Владимир Зеленский, на интересные приключения, занятные испытания и волнующие похождения.

Главный комик страны (Владимир Зеленский) претендует на многое… Как минимум на хорошего исполнителя главной роли, и как максимум — на звание талантливого режиссера не только фильма, но и всей Украины. Утвердят ли его на главную роль в стране, будут решать уже не зрители, а избиратели. Но мы сегодня говорим только о кино.

Фильм «Я, Ты, Он, Она» стал для Зеленского полигоном, на котором он испытывал свой режиссерский талант. Но не один, а с помощником, вторым режиссером картины Дэвидом Додсоном (режиссером комедий «Любовь в большом городе», «8 первых свиданий»).

Картина вполне оправдывает заявленный жанр романтической комедии. Она  довольно привлекательная — непринужденная игра исполнителей ролей (но все же нехватка актерского профессионализма чувствуется), знакомых нам по проекту «Квартал 95», динамичный монтаж, хорошая операторская работа, да и сценарий, хоть и простоват, но хорошо проработан в деталях. Все это не дает зрителю скучать – хохот прерывается только дружным жеванием попкорна.

Жаль только, задуматься особо не над чем. Правда, некие попытки были: сатирический репортаж про намерение ограбить суд, намеки на то, что пора бы жить по-европейски — не мусорить, знакомиться с культурным наследием страны, прекратить заниматься коррупцией и искать счастье в малом. Но они больше напоминали детские прыжки бомбочкой в сельский ставок, нежели с 10-метровой вышки мастера спорта.

Без сомнения были и удачные моменты: эпизоды с потерей 20-гривневой купюры, цветами, возложенными к могиле писателя, яркими велогонками во Львове, посиделками и танцами в «Криї вке» без пяти минут поэтичны. Они изображают достойные стороны нашего народа. Всматриваясь в эти кадры, так и хочется присоединиться и выпить кружку пива или потанцевать под дождем вместе с героями фильма.

Но так же хочется задуматься о чем-то, поймать идею картины, а вот с этим уже не ладится. Фильм сконструирован по голливудской модели – динамично, ярко, легко, но, к сожалению, что-то более глубокое выпало из этого пазла и осталось вне игры. Картина вызывает смех в зале, но шутки все чаще бытовые, примитивные, а хотелось бы юмора интеллектуального.

Тут и вспоминается КВН, но тот, далекий, где со сцены блистали «Одесские трубочисты» и «Одесские Джентльмены». Участники тех КВНов были веселыми, а нынешние зачастую только смешные. Чего стоили выступления Валерия Хаита, Олега Филимонова, Янислава Левинзона. Их шутки имели второе дно, были скорее сатирой, беспощадно вскрывающей горькую правду, и попадали в сердце, а не в живот или того хуже – ниже. «…Хорошо, что в холодильнике есть яйца! – Хоть у кого-то в этом доме они есть! »

Но как бы то ни было, а в целом фильм получился. Порадовалась за родной кинематограф – мы научились ходить, и даже пробуем бегать вместе с американскими киношниками, пусть пока и за руку.К слову, музыка в фильме тоже отечественная и, надо отдать должное группе «Антитела», славная.

Хорошим оказался и дубляж — украинский. Изначально картина снята на русском, что, безусловно, положительное решение, исходя из аудитории фильма, большей частью которой являются русскоязычные люди. Так что и здесь Владимир Зеленский как продюсер поступил верно — ведь те,  кто захочет увидеть картину на русском, того и гляди, смогут это сделать в интернете.

Тем, кто резко критикует создателей картины за такое решение, скажу, что выпуск фильма это  бизнес, а лучший бизнес это экспорт, в том числе и на постсоветское пространство. Пусть они смотрят наше, а не только мы их.  Наши яйца не хуже импортных.И потраченные на фильм 36, 9 млн гривен не плохо бы вернуть, а еще лучше — приумножить…

«Студия Квартал-95», в общем-то, справилась с работой. Владимир Зеленский показал, что не только народ смешить, но и кино снимать умеет, в очередной раз подтвердив известную фразу «можемо, якщо хочемо».
Если хочется на время забыть о проблемах и потренировать мышцы живота и лица, пойти на фильм стоит. Прилив позитивных эмоций еще никому не помешал.

Во время просмотра фильма «Дом, который построил Джек» зрители, возмущаясь увиденным- недосмотренным, стихийно покидали свеженасиженные места, таким образом делая это «блюдо» еще привлекательнее для  анализа.

Картина обрисовывает двенадцать лет из жизни Джека (его  сыграл Мэтт Диллон). По настоянию родителей он инженер, по велению сердца — архитектор. У главного героя есть мечта – построить собственный дом, и увлечение – умерщвлять людей. Лишать жизни — для Джека не мания, а осознанный акт, приносящий эстетическое удовольствие.

В сущности, ничего доселе невиданного Триер не рассказывает. Обилие крови, убийства и жестокость демонстрировались кинематографом не единожды. Так для чего именитый режиссер в очередной раз запечатлел это? Казалось бы, его философия так обмелела, что свелась к постному освещению темы бытия серийного убийцы. Но это не так.

Затрещина, которой Ларс фон Триер угостил зрителя, так же мощна, как  психологические атаки, причиняемые сиренами пикирующего бомбардировщика, о котором рассуждает главный герой. Триллер «Дом, который построил Джек» явным образом раскрывает тему безразличия людей друг к другу. Тем самым режиссер еще раз поднимает проблематику человеческого эгоизма, лейтмотив которого читается во всех его предыдущих картинах.

Эгоизм не был бы так уж и плох, если бы не подталкивал человека к мысли, что он чем-то лучше других, тем самым порождая гордыню, которая часто ведет к распаду духовности. Рассматривая фильм сквозь призму вложенных в него символов, следует сказать, что все 155 минут, которые длиться картина, это «Near death experience » (NDE  – предсмертные воспоминания жизни) героя, то есть жизнь, проносящаяся перед глазами умирающего.

Для верующих NDE  – это подтверждение существования загробного мира и ответственности за прожитую жизнь. Для медиков — очередное явление, которое следует растолковать. Триер же, иллюстрируя бытие маньяка с помощью NDE, пытается пролить свет на тему ответственности и расплаты за содеянное, которая происходит вне зависимости от конфессии или безверия.

Многие из нас думают, что достойны чего-то большего,  чем то,  что имеют. Джек — инженер, который жаждет быть архитектором. Подсказка, данная Триером довольно груба, но от этого не менее красноречива. Инженер строит дом по предложенному ему проекту, архитектор лично создает план постройки. Следуя этому, все мы в той или иной мере инженеры своей жизни, а вот архитектор — один. Джек бросает архитектору вызов, вырывая у него из рук карандаш.

Триер, будучи не только режиссером картины, но и сценаристом (как, впрочем, и в других своих фильмах), предоставляет Джеку возможность чертить проект, как в буквальном, так и в фигуральном смыслах. Тем самым указывая зрителю на свободу выбора, которой владеет человек, и одновременно подчеркивая, что в построенном по собственному усмотрению доме придётся существовать. 

Это умозаключение касается не только Джека, но и его жертв. Ведь каждая из них самостоятельно делала ряд поступков, которые приводили ее к фатальному исходу. Первая жертва (в исполнении Умы Турман) пострадала из-за излишней настойчивости и желания подчинить себе волю другого человека. Следующую (Шивон Фэллон) погубила алчность.Все герои делают свой выбор, за что и расплачиваются.Но куда страшнее выбора, подталкивающего к катастрофе, безразличие к участи ближнего. Об этом Триер не намекает, а кричит устами героев: «В этом городе, в мире никто не хочет помогать».

Безразличие к проблемам других создает ошибочное впечатление безнаказанности деяний. Говоря кадрами из фильма, Триер опровергает такую теорию. Джек всю жизнь ищет подходящий материал для постройки дома. В конечном счете, его поиски напоминают шутку про танцора. Однако к концу фильма Триер дает возможность посмотреть на жизнь Джека с противоположного ракурса. Режиссер выстраивает в четкую линию до сих пор незначимые детали картины, дает зрителю возможность осознать, что последние 12 лет Джек неосознанно шел к своей «архитекторской» цели – накапливал материал для постройки «дома».

Заслуживает внимания и холодильная  камера, случайно приобретенная Джеком. Символизм этого на первый взгляд ненужного помещения по ходу фильма обрастает вторым смыслом. Рефрижератор набит пиццей, которая Джеку не нужна – ни как еда, ни как товар для продажи. Триер указывает на нежелание человека ценить и использовать по назначению данное ему свыше.Там же находится и загадочная дверь, намертво закрытая до определенного момента. Камера это прообраз жизни героя, а дверь – того, что начинается после ее окончания.

Не зря Джек находит неординарное применение холодильной камере — там он хранит «материал» для «постройки».Факт невозможности открыть дверь, которая находиться внутри камеры, до момента гибели героя говорит о том, что предположения по поводу загробной жизни или ее отсутствия остаются всего лишь предположениями до того, как человек переступит порог смерти. Открытие этой двери ближе к  концу картины и то, что именно за ней Джек строит свой дом — вполне предсказуемо, как и то, что за дверью обнаруживается проход в чистилище. Архетипом дома является прожитая жизнь. Материал с которого его строили — это поступки и мотивы, которые руководили человеком.

«Дом» Джека сооружен из крови, изувеченной плоти и причинённых страданий. Жить в таком доме значит существовать, искупая вину.Но того, что Джек попадает в ад, Триеру мало, ведь это естественный конец. Он показывает всю бестолковость человеческой натуры. Ведь даже в аду главный герой делает то, что ему кажется правильным. Слова Верга «Я бы не советовал, но выбор за тобой» не останавливают самоуверенного Джека: «Я рискну».Таким образом, режиссер иллюстрирует принципы жизнедеятельности современного общества, часть которого не желает терпеть, смиряться или отказываться от чего-либо.

Желание идти против чьей-то воли приводит Джека к падению на самое дно ада, именно туда Данте помещал грешников, которые обманывали доверившихся им людей. В девятом круге ада покоятся вможенные в лед отступники, что терзаются в трех пастях Люцифера: Иуда Искариот, Брут, Кассий — все те, кто предал божественное или человеческое.

Ради оправдания своих поступков Джек выдвигает теорию, в которой говорится о том, что человеческая жизнь состоит из наслаждения и боли, между которыми мечутся дети Адама. Теряя ощущения счастья, человек отдается страданию, которое пробуждает в нем зверя, что стремится к кровопролитию и насилию. Процесс закольцовыван — под воздействием боли индивидуум причиняет боль другому, и,  подпитываясь ею, получает удовольствие. Триер почти иллюстрирует фразу «Ничего, что хата сгорела, зато у соседа корова сдохла».

Режиссер толкует о том, что выбор, данный человеку, подпитанный гордыней вместе с чувством собственного всесилия и безнаказанности – это самое тяжелое испытание. Ведь эгоизм делает этот выбор однобоким, сокрушая в индивидууме божественную искру добра, что приводит к духовному и моральному распаду. О процессах распада Джек говорит как о вещах закономерных, природных, вызванных различными физическими и химическими воздействиями.

Следовательно, распад человеческой морали и духовности это тоже природный процесс, который является следствием грехопадения и эгоизма. Казалось бы естественное ощущение себя как высшей формы всего сущего на земле, делает человека неосознанно жестоким к животным и природному окружению. Пример такой жестокости — охота. Убивая тигра, косулю или ворону многие из нас получают удовольствие, но в то же время убивать людей – аморально, хотя и то и другое это отъём чужих жизней.

Не зря после просмотра фильма день-другой тебя не покидает «запах» вылитых на голову «помоев». Хорошо это или плохо – решать не мне. Но приемы влияния на зрителя, оттачиваемые на протяжении более сорока лет работыв кино, не подвели режиссера и на этот раз.

Фильм «Дом, который построил Джек» заставляет задуматься над актуальными в наше время проблемами безразличия и эгоизма, увидеть их проявления без замыливания.Картина отображает аморальность человека таким образом, что постигнутое заставляет не только стыдиться духовных изъянов, но вызывает желание немедленно избавиться от них. Ларс фон Триер обличает омерзительную глубину человеческой черноты с единой целью – привлечь внимание к проблеме, чтобы искать пути ее решения. Он заявляет: чтобы стать Человеком нужно работать над собой, над гнусными проявлениями гордыни и хладнодушия.

Бороться со своей «темной стороной» надо, но куда проще делать это не окунаясь в аморальность лично, а  учась на примерах. И если вам интересны подробности устройства преисподней дабы «вдохновиться» – займитесь изучением полотна Сандро Ботичелли «Карта ада», ну, а если интересует не результат, а путь, к нему ведущий, тогда психологический триллер «Дом, который построил Джек» для вас.

Лука Гуаданьино отнюдь не режиссер массового развлекательного кино. Вот в этом и кроется главная нестыковка потребителя с продуктом. Зритель привык к незамысловатым сюжетам и ярким картинкам, когда думать не надо, так как режиссер все измельчил блендером, и вот уже сует эту сладкую массу тебе в рот. Остается только открыть его и проглотить, или другими словами купить билет и смотреть, не думая.

А вот такие картины, как работа Гуаданьино, для многих словно сложная математическая задача, незнание решения которой приводит к отторжению. Возвращаясь к фильму «Суспирия» стоит сказать, что картина — ремейк фильма 1977 года режиссера Дарио Ардженто. Но, кроме участия в обоих работах Джессики Харпер (в первом фильме играла Сюзи), общего между ними мало.

Также в «Суспирии» 2018 года сыграли: Тильда Суинтон, известная всем после серии фильма «50 оттенков серого» Дакота Джонсон, и Хлоя Грейс Морец. Сценарий к фильму писал Дейв Кайганич, он же сотрудничал с Гуаданьино как сценарист в картине «Большой всплеск».

Бюджет «Суспирии» составил 20 миллионов долларов США. Это  совместное производство Америки и Италии. Действие фильма происходит в Огайо, а затем в Берлине, в послевоенные годы. По сюжету девушка из Америки Сюзи приезжает в Германию, чтобы стать танцовщицей в одной из известных хореографических школ.

Далее события закручиваются и оказывается, что все далеко не так, как показалось на первый взгляд. Работа камеры настолько виртуозна, что позволяет не только сразу же уловить атмосферу фильма, но и почувствовать себя его частью. Особенно постарался Сэйомбху Мукдипром (оператор картины), передавая движениями камеры поле зрения Сюзи, когда та впервые попадает в школу. У зрителя появляется возможность не только отстраненно наблюдать за  событиями, но и оценить их с точки зрения героини.

Выбор необычных ракурсов камеры, использование зеркал во время диалогов служат инструментом, при помощи которого режиссер открывает подтексты картины. Гипнотизирует эстетичное исполнение танцев, что вплетены в сюжет «Суспирии». Первый танец без использования музыки дополняет общую атмосферу фильма, добавляя в него привкус саспенса. Танец Сюзи, впрочем, как и все последующие, чувственен. Это что-то на грани между хореографией и психологическим театром.

Дыхание танцовщицы, звук соприкосновения тела с танцевальной площадкой создают дополнительный ритмичный саундтрек к фильму, от которого у зрителя по коже пробегает дрожь. В фильме грим и костюмы продуманы до мельчайших нюансов. Точно так же,  как работа с декорациями – все детали в интерьерах фильма работают на сюжет или раскрывают его подтекст.

Актёрское исполнение, особенно Тильды Суинтон и Дакоты Джонсон, находится на высоком уровне. Движения, взгляды и мимика – все живое и к месту. Нет лжи или момента, когда актер не понимает, чего от него хотят, и просто проговаривает текст. Это, безусловно, положительный момент, ведь если актер знает, что делает, и верит в это – зрителю не остается ничего иного, как тоже поверить в происходящее.

Хочу обратить ваше внимание на такую деталь, как  волосы героинь. Сюзи приходит в школу с длинными рыжими волосами, и это не только красиво, но и символично. Длинные волосы – символ власти, свободы и независимости. Кроме того, их цвет соответствует огню, что говори т о присутствии демонической разрастающейся силы внутри человека. Черные волосы символизируют энергию земли, и именно такие они у мадам Бланш – ведущего преподавателя школы. Гуаданьино не просто так сделал прически мадам Бланш и Сюзи похожими.

Если волосы можно сопоставить с душами героинь, то финал картины предначертан. Обращая внимание на  других действующих лиц, мы видим, что  волосами ниже пояса обладают только две вышеуказанные героини, что говорит про их доминирование над другими за счет духовных качеств. Также волосы — это некая линия жизни и связь со вселенной. Чем они длиннее, тем связь крепче. Дальше по сюжету героине, роль которой исполняет Дакота Джонсон, обрезают волосы. Это не только иллюстрация некого посвящения, но и предвестник предстоящего горя. Акцент на волосы еще раз появится в конце картины, там отрезанные волосы танцовщиц используют как одежду. Только эти волосы мертвые, и, следовательно, связывают теперь не с высшим миром, а с миром теней.

Интересно и то, что Берлинская стена расположена прямо напротив входной двери в школу. Стена напоминает о нерациональном разделении мира на добро и зло, что в глазах каждого приобретает свои формы. Картина затрагивает и тему материнства. Надпись в родном доме Сюзи гласит, что мать может быть только одна, но она может быть кем угодно.

Отношение матери и дочери — жертвенность и принятие, любовь и поклонение, наследственность – отношения, которыми мы часто оперируем и за пределами дома. Речь идет не только о феминистических настроях картины, но больше о психологических аспектах поведения женщин.

«Суспирия» притягивает эстетикой движений, музыкальным оформлением и актерской игрой, но моментами и отталкивает — чересчур физиологичными сценами убийства. Пожилой психиатр доктор Джозеф Клемпере р — единственный персонаж картины, которому небезразлично происходящее в школе танцев. Он продолжает бороться за справедливость и спасение, несмотря ни на что. Причем борется он как за свое спасение, так и за спасение других.

Джозеф из лагеря тех немногих, кто воспринимают равенство полов как истину, в то же время отчетливо понимая, что у других иное мнение. Он знает, что когда женщина приходит к психотерапевту, тот выслушивает, но не лечит, расценивая ее жалоб ы, как что-то надуманное, а не как настоящую проблему.

Джозеф Клемперер пытается помочь, но справиться со всем одному невозможно. Образ одинокого и немощного борца за справедливость — это прообраз устройства нашего современного общества, чье безразличие к проблемам других уничтожает его же. Доктора вроде Джозефа бессильны справиться со стихией, которая нависает над миром, где любви и человеческого общения гораздо меньше, чем эгоизма, злобы и одиночества.

Джозеф Клемперер — прообраз совести, которая не сдается, но ее  борьба с внутренним злом безрезультатна. В расплату за непримиримость у доктора забирают самое дорогое – память, в которой живет любовь. А как показывает нам режиссер, без любви и надежды жить невозможно. Лука Гуаданьино говорит о том, что часто тот, кого мы хотим использовать, использует нас. Или другими словами, жертва и есть палач. Да только старый палач, погрузившись в собственные интриги, никак не увидит, что убивать будет не он, а его. Сегодня по всему миру тысячи таких псевдожертв и тысячи палачей, впрочем, как и в прошлом.

Не все, что кажется хорошим, таковым и является. Не все плохое так уж и плохо. Стена напротив школы – это всего лишь условность, которой совсем скоро не станет. Но на ее месте появится другая, визуально или понятийно, но обязательно будет новая – это закон.

Фильм «Суспирия» предполагает раздумья во время просмотра и споры после. Обойти его стороной — ошибка, которая, как известно, хуже, чем преступление. Поэтому советую запастись временем — картина длится 152 минуты, и  валерьянкой — без крови и изувеченных тел  не обойдётся. Возьмите с собой нервно устойчивых друзей и наслаждаться просмотром!

Фильм «Быть Астрид Линдгрен» снят в жанре байопик с элементами драмы. Душещипательные моменты диктует биография писательницы. Родившись и взрослея на хуторе, Астрид лелеяла природу, впитывая ее в себя. Вместе с тем человеческое несовершенство оставило горький след в ее жизни. Ложь, обман, лицемерие задевали юную Астрид, раня душу, но не сломали в ней добро и человечность.

Действие происходит в Швеции, в которую режиссер влюбляет тебя каждым кадром. Картина не только красива визуально, но и психологически насыщена. Меланхоличный ритм повествования погружает в те времена, когда по улицам разъезжали лошадиные упряжки и кабриолеты.

Эпизод в церкви, в котором выделены теребящие «Библию» руки Астрид, раскрывает характер героини. Кадры возвращения большой семьи на повозке домой, что сопровождается шумными комментариями девочки, говорят о ее необузданной фантазии. Во время просмотра фильма кажется, что мы с Астрид давно знаем друг друга.

Пернила Кристенсен раскрывает вечную тему взаимоотношений отцов и детей, но в то же время не перестает говорить о любви в разных ее ипостасях. Моментов «Сейчас тушь потечет» или «Лишь бы сосед не увидел, что я плачу» — в фильме много.

Это добрые слезы катарсиса, очищающие наше затуманенное цифровым миром потребительское сознание. Вспоминаешь, что ценно в жизни, а что ничтожно. Любовь, семья, близкие, смех, слезы – вот ради чего стоит жить. Откуда бы взялись все книги писательницы, если бы она все это не пережила? Астрид переболела, переплакала, пересмеялась с каждым своим героем.

Только то, как она начинает писать, вы не увидите, а хотелось бы. Фильм обрывается до этого момента, и секрет создания шедевров остается не раскрытым. Первая книга Линдгрен «Пеппи Длинныйчулок» была издана в 1945 году, когда писательнице исполнилось 38 лет. Она уже не работала секретаршей, а стала домохозяйкой.

Воспитывала своих детишек не в захудалом домике с туалетом на улице, а в квартире с видом на стокгольмский Васапарк. Книга «Пеппи Длинныйчулок» появилась, как говорила Астрид, благодаря дочери Карен —  когда та заболела, то попросила маму рассказать историю про девочку, имя которой придумала сама. Вот так и родились герои нашего детства: любитель варенья Карлсон, озорной Мадикен, Эмиль из Леннеберги и, конечно же, Ронни – дочь разбойника.

Фильм «Быть Астрид Линдгрен» определен как семейный — возрастное ограничение «12+». Тут у меня возникает вопрос. Касается он не режиссерской работы, а деятельности Госкино. Мир бежит все быстрее, дети, безусловно, более развиты. Но, хотела бы я, чтобы мой ребенок, будучи в шестом классе, смотрел, как юная девочка занимается сексом с взрослым женатым мужчиной? Нет.

В картине несколько сцен эротического содержания. Они эстетичны, но присутствие оголенной груди и характерных движений – смущают. Оценка 7.4 на IMDb выглядит очень неплохо и говорит о том, что фильм воспринимают по всему миру. Только не у всех возрастное ограничение как у нас, остальные склоняются к «16+».

Длительность картины 123 минуты. «Быть Астрид Лингрен» получил две награды и три номинации на международных фестивалях. Если вы поклонник творчества писательницы или осеннее настроение требует от вас просмотра хорошего фильма в сопровождении чая – вперед. Астрид ждет вас в своем мире. Заходите в гости.

По-настоящему нарицательной фамилия режиссера стала после громогласных номинаций и, как итог, победа в Каннах фильма «Ида». Павликовский заявил о себе не просто как о талантливом создателе, но и как об эстете. Каждый план, ракурс его картин – произведение искусства.

Фильм «Холодная война» исполнен в черно-белом цвете. Что сделано для еще большего акцентирования внимания на простые вещи: человека и его чувства, на судьбу в возникших обстоятельствах.Название фильма тоже не такое простое, как может показаться на первый взгляд. В нем заложено два смысла: прямой, это некое нарицание на эпоху, и переносный – речь идет про «холодную», подсознательную войну между внутренним Я героев, которых сближает любовь, но разделяет мировоззрение.

Стоит ли смотреть этот фильм?

Картина получила свои 7.9 баллов рейтинга на IMDb, и ряд наград на кинофестивалях: Cannes Film Festival – награда за лучшую режиссуру, Ghent International Film Festival – приз зрительских симпатий и гран-при за лучший фильм, International Cinematographers' Film Festival Manaki Brothers – бронзовая камера (отмечен оператор Лукаш Жаль), Polish Film Festival – все награды на которые был номинирован, лучший монтаж (Ярослав Каминский), лучший звук, Золотой кенгуру и Золотой лев за лучший фильм.

В целом это 1 час 28 минут качественного кино с песнями, танцами, эротизмом (не удержались, чтобы не показать обнаженную грудь главной героини), и слезами, причем не только зрителя.

«Холодная война» однозначно понравится романтикам, одиноким девушкам и людям за сорок. Начиная с первого кадра, режиссер вводит зрителя в атмосферу времен, когда Советский Союз опустил железный занавес в Европе. Первый эпизод: 1949 год — оккупированная советскими войсками Польша. Грязь под ногами, появляющаяся на экране с самого начала, не только визуально оживляет картину, но и смыслово насыщает, становясь символом грязи в человеческих душах, которая не засыхает.

Под гнетом коммунистической идеологии она бродит, порождая зловоние. В глазах героев маячит усталость и боль, которую они пытаются придавить, спрятать за песнями или алкоголем. Но боль подобно сорняку неустанно прорастает.

Еще не могу не сделать акцента на завораживающим кадре разваленной церкви. Дело не в самой церкви, хотя и она довольно сильный символическо-психологический ход, я хочу обратить ваше внимание на печальные глаза – все, что осталось от фрески изображения Христа. Эти глаза – символ божественного созерцания событий того времени. У церкви нет крыши, что само по себе очень даже реально, но в то же время служит прообразом отсутствия защиты с небес.

Исходя из цитаты- «По образу Небесной Церкви, создается Церковь земная»(1Кор. 6, 19), — храм символизирует Вселенскую Церковь, мир Божий. Разрушенный храм в фильме — прообраз разрушения общечеловеческих истин и ценностей. Купол, что в картине отсутствует — символ Христа, как главы церкви, то есть Бог, тоже покинул этот край. Подкупольная часть – такая себе шея, соединяющая голову с телом — символ апостолов, благодаря которым прихожане имеют общение с Христом.

«О том, что мы видели и слышали, возвещаем вам, чтобы и вы имели общение с нами» (1Ин. 1, 3). То есть, без прямого апостольского преемства, хранимого церковью, общение с Богом невозможно. Контакт нарушен, а значит в мире, воссозданном в «Холодной войне», нет благословения, что влечет за собой страдания. Вместе со стертым лицом фрески, от которого остались лишь глаза, и отсутствующей купольной частью, фильм открывает заложенную режиссером мысль о том, что небеса из защитника человечества превратились в немого созерцателя мировой катастрофы, виновниками которой стали люди, как в прочем и ее жертвами.

Несмотря на прикосновения режиссера к каждому кадру и глубокой философии картины, актерская игра меня не затронула. Если героиня Зула (Иоанна Кулиг) меняется со временем и мы вполне ощущаем динамику ее роли, внутреннюю жизнь, что тянет за собой внешнее проявление, то актер, исполняющий роль Виктора (Томаш Кот), меняется только тогда, когда гример наносит новый грим, а стилист меняет прическу.Это не добавляет в суп соли и кушать его становится труднее, если ты, конечно, не смертельно голоден и тебе вообще без разницы, что принимать во внутрь.

Кроме того, сценарий не совершенен. У героев часто отсутствуют мотивация и логика поведения. Всякое действие в реальной жизни оправдано или внутренним побуждением, или внешним воздействием, чего в фильме я не увидела. Не скажу, что это столь критично, но время от времени возникает вопрос «Зачем?» или «К чему это?».

«Холодная война» Павла Павликовского закольцована, что само по себе хоть и не ново, но дает некое ощущение целостности режиссерской мысли. В конце картины на замену танцам на барной стойке, джазу, поездке по Сене, пейзажам Сплита, Берлина, Парижа — только ветер, нагибающий траву в поле, закат и все тот же разрушенный храм.

«Идем на ту сторону, там пейзаж лучше», — эта фраза, вместе со строчкой из песни, написанной Лебедевым-Кумачем и исполняемой Утесовым, которую так любит напевать героиня фильма:«Сердце, тебе не хочется покоя…», - становится жизненным кредо героев, которые в поисках лучшего теряют то хорошее, что них есть.

Фильм таки стоит посмотреть, тут не надо рассчитывать на «сладкую» голливудскую попсу, под которую попкорн еще вкуснее. «Холодная война» смотрится натощак и, оставляет во рту горький привкус, который будет уместно обсудить с друзьями за чашкой черного кофе без сахара. 

Картина снята в жанре «байопик» или по-простому – биографической драмы, имеет одноименное название с песней, ломающей все правила, скандально рожденной, но все же сумевший захватить верхушки всех возможных и невозможных хит-парадов, и ребенку понятно, о ком фильм. Ну конечно же, он про самую известную за всю историю рок-музыки группу со скромным названием «Queen ».

Фильм семейный, а значит менее или более, но интересно будет всем. Исключением могут быть члены семьи ниже метра. В этом возрасте свинка Пепа способна составить серьезную конкуренцию Меркьюри, да и про рок и наркотики им узнавать рановато. В центре картины солист «Queen » Фредди Меркьюри (имя при рождении Фарух Булсара), головокружительный тенор, рожденный в Занзибаре(архипелаг из 75 островов в Индийском Океане, вдоль восточного берега Африки), а в итоге вошедший в сотню величайших британцев (58-е место по опросам «Би-би-си»).

Хотя фильм заявлен как биографическая драма, его идеей стала не демонстрация биографии группы. Главный акцент в картине смещен на человека, борьбу и веру в себя. Сколько грязи, оскорблений и палок в колеса не всовывали бы тебе, если ты на что-то способен и знаешь об этом — иди вперед. Потому, что ты уже чемпион, а победители борются до конца. «Что это за зубы», «пакистанец», «гей», «извращенец» — как и каждый из нас, Фредди сталкивался с невежеством и злобой. Вера в себя, мечта — вот что было сильнее всего. Любовь. Любовь к музыке, жизни.

Прообраз любви — коты, которые ничего не ждут от Фредди, они мурлыкали ему, когда тот был грузчиком, и когда делал свои первые шаги в музыке, точно так же животные относились к нему когда Мерькюри стал звездой, и когда тонул в эмоциях и наркотиках. Коты остались с ним когда он заболел продолжая любить, как раньше — не больше, и не меньше. Любить просто так, беспрерывно. Таким каков он есть. Их крупные планы, умиротворяющее мурлыканье возникают в картине с первого кадра. Также любовь – это семья, что примет тебя, как «блудного сына» потому, что ты это ты.

Фильм переполнен теплотой – колористика только усиливает ее. Коричневые, бежевые и золотые оттенки доминируют в картине, затягивая тебя внутрь. Вот ты уже на концерте, в будке звукозаписи поешь вместе с Фредди или выжимаешь с Мэйем. Операторская работа просто потрясающая! Ньютон Сигел постарался на славу. Я согласна, что детальное скольжение камеры по инструментам, гитара, микрофон, барабаны, от которых отскакивают брызги, крутящаяся пластинка крупным планом, пальцы на ползунках пульта, точно так же, как и эмоциональная сцена под дождем, где капли, стекающие по лицу Меркьюри, не то слезы героя, не то просто вода – своего рода клише, но, черт побери, как же это атмосферно! Если выбирать между атмосферой и новизной – я за первое! Выеживания операторов и желание режиссеров быть «другими», такое себе новаторство ради новаторства, которое диссонирует с сюжетом и не соответствует идее, согласитесь - это чистое дилетантство.

Крупные планы в фильме просто волшебные. Ты словно смотришь герою в глаза и видишь душу. Особенно трогает «итальянский план» на стадионе «Уэмбли», где, как в старых ковбойских фильмах, Ньютон Сигел показывает нам глаза Фредди Меркьюри. Искрящиеся, жадно пожирающие сумасшедшую энергетику толпы глаза. Они как оголенный нерв, впечатление, что он поет ими не хуже, чем связками.

Конечно, обращаясь к реальной истории группы «Queen», все было не совсем так, как в фильме. Встреча Меркьюри с ребятами после ухода вокалиста, отношения с Мэри (Люси Бойнтон)… Но быть объективным в истории, которую миллионы видят по-своему, невозможно. Да и не нужно. Как выразился Грэм Кинг: «Мы меньше всего стремились к тому, чтобы передать точную канву событий. Мы снимали кино для семейного просмотра, про каждого из нас». И у команды, работающей над этим фильмом, все получилось.

Про игру актеров говорить скучно, все хороши до неприличия. Как и сколько готовился к роли Малек, мы отследили на экране, наблюдая те же крупные планы, его мимику — прикусывание губы, слегка поднятый вверх подбородок и закрытые глаза при исполнении самого сокровенного. Ну и конечно же, культовые движения с микрофоном, неугомонная жестикуляция руками – все его тело, как натянутая струна гитары Мэя — изящная, на надрыве и звучащая так сладко, словно пение ангелов. Ребята поработали на славу. Во время просмотра ты просто влюбляешься в исполнителей.

Про музыку я писать не буду. Все понятно. Да и описать это нельзя — нужно слушать. Скажу только, что саундтрек состоит из нескольких хитов и 11 ранее не изданных записей. Понимаете, о чем я? В кино есть все — динамика и атмосфера, хорошая актерская игра и, конечно, операторская работа. А чего стоят коты? Тем, кто скажет — наигранно, попсово, слишком много блеска, слишком яркий свет, отвечу — а чего вы хотели? Фильм про рок-группу, а не про местного священника. Да, трагедия в судьбе Меркьюри была, но сколько же было другого — таланта, целеустремленности, любви и побед! Декстер Флетчер и Брайан Сингер проделали хорошую работу. Профессиональную. И пусть говорят! Про «Queen» тоже много говорили, оспаривали и занижали планку. Тех, кто говорил, не помнят, а группа «Queen» стала королевой мировой рок-музыки.